POEMAS, CUENTOS Y ESCRITOS REVOLUCIONARIOS DE DANIEL FERNÁNDEZ ABELLA is licensed under a Creative Commons Attribution-NonCommercial-NoDerivs 3.0 Unported License. Para utilizar primero y siempre sin ánimo de lucro ha de consultar al autor. Daniel Fernández Abella todos los derechos reservados.
Un día como hoy fallecía Rafael Múgica Celaya; Hernani, 1911 - Madrid, 1991.
Uno de los poetas más representativos de la poesía social de los cincuenta. Vivió en la Residencia de Estudiantes; conoció allí a Federico García Lorca y José Moreno Villa, y la experiencia dejó en él un recuerdo imborrable. Militante del PCE , fue una persona comprometida con sus fuertes convicciones políticas y sociales.
A fe mía la pluma es más efectiva que la espada
La tinta deja profundas huellas que no cicatrizan
Heridas profundas en tu carne y alma clavadas
que poco apoco estas descuartizan
Las palabras que perduran con el paso del tiempo
palabras cuya huella es imborrable
que eternizan y marcan nuestro momento
cultivando nuestro espíritu indomable
Como Celaya, maldigo la poesía concebida como un lujo
cultural por los neutrales que no toman partido
y se dedican a hacer cantos y alabanzas al amor prohibido
sin denunciar las injusticias, realizando sólo bocetos y dibujos
de la vida, plasmándola tal como es ella
limitándose a observar la realidad sin intentar cambiarla
cuando deberían, con sus versos, transformarla
conviertiéndola en una utopía bella
Disparamos versos desde todos los frentes,
desde todas las barricadas
surgen nuestras canciones y nuestras baladas
sembrando semillas de revoluciones que germinan en nuestras mentes
y en nuestros corazones
no más cantos al amor prohibido, a la muerte o al placer
más canciones a un nuevo amanecer
a nuevo mañana, a un nuevo lugar donde habite el nuevo hombre
que por su empatía y humanismo a todos asombre
y cree un nuevo mundo más humano y más solidario
donde surjan de nuevos los cánticos revolucionarios
llamando a nueva era
donde broten las flores que trae consigo la primavera
La denominación del 27 surgió de un acto cultural que se celebró en el Ateneo de Sevilla para homenajear al poeta sevillano Luis de Góngora en el tercer centenario de su muerte.
GENERACIÓN DE LA AMISTAD
A este grupo de poetas se le ha llamado la “Generación de la amistad”. La Residencia de Estudiantes de Madrid fue su privilegiado lugar de encuentro. Allí vivieron algunos y otros acudieron a participar de las actividades culturales (exposiciones, representaciones teatrales, tertulias) que se realizaban.
Participaron en las revistas más importantes del momento, como la Revista de Occidente y La Gaceta literaria, pero también en otras más: Litoral (Málaga, 1926), Verso y prosa (Murcia, 1927), Mediodía (Sevilla), Cruz y Raya (Madrid, 1933) y Caballo verde para la poesía (Madrid, 1935).
Características generales de la Generación del 27
La Generación del 27 es el nombre que recibe uno de los grandes grupos de escritores españoles de todos los tiempos. Algunos de los miembros más importantes de este conjunto de hombres de letras son: Federico García Lorca, Rafael Alberti, Luis Cernuda, Vicente Alexandre, Dámaso Alonso, Jorge Guillén, Pedro Salinas o Gerardo Diego, entre otros.
Todos estos escritores tienen en común que se relacionaron entre ellos tanto a nivel artístico y literario; es decir, acudían a los mismos cafés para hacer tertulias literarias, como personal, ya que la mayoría de ellos eran íntimos amigos. Además, estos escritores recurrieron a las revistas de la época, como la Revista de Occidente, creada por José Ortega y Gasset, como medio de publicidad y difusión de su obra literaria, la gran mayoría en forma de poemas.
Las obras de la Generación del 27 se caracterizan por el intento de renovación a nivel estético de la poesía; es decir, recogen los preceptos antiguos y los unen con los movimientos vanguardistas y también surrealistas. Por esta razón, utilizan la metáfora como recurso literario principal y se centran en la problemática humana que atraviesa la sociedad de su tiempo.
CARACTERÍSTICAS LITERARIAS
La Generación del 27 coincide con nuestra vanguardia. Desde 1918 (Ultraísmo, Creacionismo) hasta 1930 (culminación de nuestro Surrealismo), adaptan o crean los “ismos” en España. La presencia de la tradición fue uno de los elementos de la poesía del 27 (los cancioneros de los siglos XV y XVI, el Siglo de Oro).
Temas:
La ciudad, que significa progreso.
La naturaleza y el amor. La naturaleza cercana a la ciudad y la naturaleza humana.
El compromiso con su tiempo y con el arte. Durante la Guerra Civil los poetas del 27, junto con Antonio Machado y Miguel Hernández, forman la base de un cancionero y romancero de guerra.
La preocupación religiosa fue escasa en el grupo, exceptuando a Gerardo Diego
En cuanto a la métrica, los poetas del 27 no utilizaron tantos metros y formas como los románticos o los modernistas, pero su uso estuvo más ligado a los contenidos. El soneto, como forma culta, así como el romance y el villancico, como formas populares, fueron muy empleados.
La gran innovación del grupo fue el verso libre. También cultivaron el verso blanco y el versículo.
VERSO LIBRE: el que no está sujeto a rima ni a medida (propio de la poesía moderna).
VERSÍCULO: (en la Biblia o el Corán, entre 8,12 sílabas o mayor).
VERSO BLANCO: el que no está sujeto a rima, pero sí a medida
Primera etapa de la Generación del 27: hasta 1927
En esta primera etapa de la Generación del 27 podemos observar un marcado predominio de la llamada poesía pura; esto es, aquel tipo de poesía con escasa retórica, sin elementos decorativos, sin marcas de sentimientalismo, que sigue la estela de Juan Ramón Jiménez. Algo que todos los escritores del 27 tuvieron en común es su admiración y predilección por el autor de Platero y yo.
Asimismo, durante la primera etapa de la Generación del 27 se produce un intento por recuperar los modelos de la poesía clásica a nivel formal, con autores tan importantes como Luis de Góngora (pues, no debemos olvidar que, precisamente el origen de este movimiento literario parte de un homenaje al poeta andaluz) así como las estructuras típicas de la poesía de corte popular.
Segunda etapa de la Generación del 27: de 1927 hasta la Guerra Civil (1936)
Esta segunda etapa de la Generación del 27 se caracteriza por el intento de humanizar la poesía. Para ello, los autores buscan su propia identidad e, influenciados por Pablo Neruda y su obra Caballo verde para la poesía, intentan rehumanizar de nuevo la poesía y conseguir una poesía impura.
Es precisamente durante esta segunda etapa cuando se desarrolla uno de los movimientos artísticos más importantes y con más influencia en la literatura española: el surrealismo. De la mano de la estética surrealista, los escritores de la Generación del 27 descubrieron cómo reflejar los problemas existenciales que afectan al ser humano, además de utilizar la poesía con un arma de protesta política y social, a través del cual podían mostrar su descontento con la sociedad en la que vivían.
Todo esto impulsado por sucesos sociales que conmocionados a la población española de aquellos años, como fue, por ejemplo, el comienzo de la Guerra Civil (1936-1939).
De familia humilde, tiene que abandonar muy pronto la escuela para ponerse a trabajar; aún así desarrolla su capacidad para la poesía gracias a ser un gran lector de la poesía clásica española.
Forma parte de la tertulia literaria en Orihuela, donde conoce a Ramón Sijé y establece con él una gran amistad.
Miguel Hernández estuvo interesado por el teatro y asistía a representaciones que se celebraban en la Casa del Pueblo de Orihuela, incluso llegó a participar en alguna de ellas. Publica algunos poemas en el periódico de Orihuela y la revista El Gallo Crisis.
A partir de 1930 comienza a publicar sus poesías en revistas como El Pueblo de Orihuela o El Día de Alicante. En la década de 1930 viaja a Madrid y colabora en distintas publicaciones, estableciendo relación con los poetas de la época. Lleva sus versos al escritor Ernesto Giménez Caballero director de La Gaceta Literaria, una de las mejores revistas literarias del momento, pero no logra que se los publiquen. Publicó, esta vez en la revista Cruz y Raya, su auto sacramental Quién te ha visto y quién te ve y sombra de lo que eras, fue colaborador de José María de Cossio en Los toros y conoce a poetas como el chileno Pablo Neruda, y los españoles Rafael Alberti, Luis Cernuda y otros.
En su obra, la calidad estilística de sus versos resultado de su apasionada lectura de los clásicos españoles del Siglo de Oro va unida a una estremecedora fuerza expresiva. La voz vehemente y desgarrada del poeta convierte el amor, la vida y la muerte en una experiencia poética marcada por una vitalidad trágica. A su vuelta a Orihuela redacta Su primera colección de poemas fue Perito en lunas (1933) con una clara influencia gongorina, como en El rayo que no cesa (1936), y que se considera su obra más lograda.
Ya establecido en Madrid, trabaja como redactor en el diccionario taurino de Cossío y en las Misiones pedagógicas de Alejandro Casona; colabora además en importantes revistas poéticas españolas. Escribe en estos años los poemas titulados El silbo vulnerado e Imagen de tu huella, y el más conocido El Rayo que no cesa (1936).
Sus poemas tratan del amor, la muerte, la guerra y la injusticia. En la guerra compuso Viento del pueblo (1937), poesía militante. La crueldad de la guerra y el sufrimiento de el campo de batalla es lo aparece en El hombre acecha (1938). Ya preso, termina Cancionero y romancero de ausencias (1938-1941). Esta obra trata del amor hacia la esposa e hijos y la soledad del prisionero. Miguel Hernández colabora en Revista de Occidente y mantiene una relación con la pintora Maruja Mallo, que le inspira parte de los sonetos de El rayo que no cesa.
Se casó el año 1937 con Josefina Manresa. Afiliado al Partido Comunista Español, en la República tomó parte en las Misiones pedagógicas, intentando llevar la cultura a las zonas más deprimidas de España. Durante la Guerra Civil española Miguel Hernández se alistó en el ejército republicano y asistió al Congreso internacional de intelectuales antifascistas de 1937 en Valencia. Tras la guerra fue detenido en la frontera portuguesa.
Durante la guerra compone Viento del pueblo (1937) y El hombre acecha (1938) con un estilo que se conoció como “poesía de guerra”. En la cárcel acabó Cancionero y romancero de ausencias (1938-1941). En su obra se encuentran influencias de Garcilaso, Góngora, Quevedo y San Juan de la Cruz.
Era el 9 de marzo de 1939 y la desbandada en la España republicana era ya una tremenda realidad. El empresario editorial José M.ª de Cossío, para quien Miguel Hernández había trabajado en 1935 en la elaboración de la enciclopedia Los Toros con Espasa-Calpe, le acompañó andando hasta las afueras de la capital. Allí se despidieron y Miguel puso rumbo a Orihuela y a Cox, donde residían su esposa, Josefina, y su hijo, Manolillo. El poeta llegó a Cox el 14 de abril para celebrar un emotivo encuentro como padre y esposo, pero la alegría duró un suspiro. La situación durante los últimos días de marzo fue de auténtica desesperación para miles y miles de personas que llegaban a Alicante como último bastión de la República desde donde escapar en algún barco de la esperanza.
El 28 de marzo de 1939 ha pasado a la historia de este país como fecha clave del exilio español. En ese momento, el puerto de Alicante es un hervidero humano, donde el drama y la desesperación inundan las mentes y los corazones de miles de republicanos españoles que sueñan con escapar de la represión de los vencedores. Al ver la llegada de las tropas, algunos gritan con la angustia de saber que sus días y los de sus familias pueden haber llegado a su fin. Son los soldados italianos del general Gambara los que entran por la zona norte de Alicante cantando «Giovinezza, giovinezza, primavera dibellezza, del Fascismo è la salvezza della nostra libertà per Benito Mussolini […]», con el castillo de Santa Bárbara al fondo. Están llenos de júbilo y cantan su victoria.
No tienen ni tiempo ni lugar para la piedad, y en cuestión de minutos plantan una línea de artillería que bombardea la salida de los barcos ante la angustia de miles de desdichados que claman por su vida en medio de la ratonera en la que se ha convertido el puerto. Al final, y gracias al valor y a la dignidad del capitán del buque británico Stanbrook, Archivald Dickson, cerca de 3.000 refugiados republicanos parten rumbo a Orán en busca de una esperanza convertida en necesidad vital.
A finales del mes de abril de 1939 se encuentra en la provincia de Huelva a cuatro kilómetros del pueblo de Aroche. Atravesando a pie campos y sierras, el poeta cruza la frontera para llegar a un pequeño pueblo portugués: Santo Aleixo. De allí pasa a otro pueblo próximo, Moura, donde, para poder comer, intenta vender el reloj de oro regalo de boda de su amigo el poeta Vicente Aleixandre. Las sospechas caen sobre él como una losa…., un español huido de aspecto lamentable y hambriento, que cruza la frontera, sin documentación y con un reloj de oro, son motivos suficientes para la denuncia. Inmediatamente es detenido por la policía portuguesa y conducido en camión y esposado al cuartel de Sobral da Adiça, perteneciente al municipio de Moura. Miguel es trasladado inmediatamente por los gendarmes portugueses hasta la frontera y entregado a la policía del pueblo onubense de Rosal de la Frontera, primera etapa de su periplo penitenciario por las cárceles franquistas españolas. Es el 3 de mayo, y en el depósito carcelario de este pequeño pueblo de la provincia de Huelva el poeta es sometido a un durísimo interrogatorio con palizas incluidas que le hacen orinar sangre.
Miguel Hernández fue trasladado desde Rosal de la Frontera a la prisión provincial de Huelva con fecha de 9 de mayo e iniciándose un proceso judicial sumarísimo de urgencia con el número 21.001 a cargo del Tribunal Militar de Prensa de Madrid.
Después de pasar una semana en la cárcel de Huelva, el poeta fue trasladado el 15 de mayo a la prisión madrileña de Torrijos, donde pasó cuatro meses. Allí escribió el poeta sus famosas Nanas de la cebolla, dedicadas a su hijo Manolillo, y de ello queda constancia en la actualidad en una placa ubicada en plena calle, en la fachada del antiguo edificio de la cárcel, que recuerda este hecho.
Miguel Hernández fue puesto en libertad el 15 de septiembre de 1939, y, en este momento, tuvo su segunda oportunidad para salir de España y gestionar desde el exilio el reencuentro con su mujer e hijo. Tan solo tenía unos pocos días para tomar esa decisión y escapar, dado que el juez, al percatarse de la situación, emitió con carácter de urgencia una orden de busca y captura del poeta.
Marchó a Orihuela para ver a sus padres y para visitar a los padres de Ramón Sijé en su domicilio de la oriolana calle Mayor. Al término de esta visita, el poeta recorrió la calle Mayor en dirección a la catedral, y allí mismo, frente a la casa de Eusebio Escolano, volvió a ser detenido. Había sido visto por la calle y denunciado por un vecino del pueblo, José M.ª Martínez Pacheco, El Patagorda. Con esta nueva detención, se había acabado cualquier atisbo de esperanza para el poeta. Continuaría el vía crucis carcelario iniciado en Rosal de la Frontera, y que concluiría el 28 de marzo de 1942 con la muerte del escritor en el Reformatorio de Adultos de Alicante. Miguel estuvo preso en once cárceles franquistas, y este recorrido penitenciario queda perfectamente reflejado en un mural ubicado en la cuarta sala temática del Museo Miguel Hernández/Josefina Manresa de Quesada (Jaén).
Condenado a pena de muerte, se le conmuta por la de treinta años pero no llega a cumplirla porque muere el 28 de marzo de 1942 en la prisión de Alicante.
Estuvo en la prisión de Palencia en septiembre de 1940 y en noviembre pasó al Penal de Ocaña (Toledo). En 1941 le trasladan al Reformatorio de Adultos de Alicante, donde compartió celda con el dramaturgo Buero Vallejo. Padeció de bronquitis y luego tifus, que se le complicó con tuberculosis.
Miguel Hernández falleció de tuberculosis en la enfermería de la prisión a las 5:32 de la mañana del 28 de marzo de 1942, con 31 años de edad. El 30 de marzo fue sepultado en el cementerio de Nuestra Señora del Remedio de Alicante. Sus restos mortales reposan junto a los de su mujer Josefina y su hijo.
Dicen que te vieron caminando
por las calles de Granada
vestido con tu traje blanco
por las calles escarpadas
ahora que ya no mana las fuentes
ahora que los muros callan
paseas junto a la muerte
ahora que callan las campanas
una ráfaga de plomo silenció tus labios
y un ramo de golondrinas rojas
brotó de tu corazón y tus entrañas
mientras tu sangre se mezclaba con la tierra
dando savia nueva para hacer nacer así
pasado mañana brotes de esperanza
surges en cada tañido triste de guitarra
en las voces de las roncas gargantas
tratando de ser un nuevo grito de libertad
en una silenciada y olvidada sociedad
mientras pasa el tiempo, cruel, eterno y oscuro
sigo recordándote en las paredes y los muros
escribiendo tu poesía con la esperanza
de, que algún día, revivas en un mundo más humano
donde las guerras solo vivan en las canciones y en las chanzas
donde no exista frontera , donde seamos más cercanos al hombre bueno
que al hombre malo, donde seamos hombres del mundo y de todos hermanos.
Federico García Lorca nació el 5 de junio de 1898 en el municipio de Fuente Vaqueros, Granada en el seno de una familia acomodada. Su padre, Federico García Rodríguez era un próspero y respetado hacendado y su madre, Vicenta Lorca Romero, maestra de escuela, de quien el propio poeta dijo haber heredado su inteligencia y el amor al arte.
Desde pequeño, Lorca mostró una gran habilidad para aprender canciones populares y escenificar oficios religiosos. Empezó su carrera de estudiante bajo la tutela del maestro Rodríguez Espinosa en Almería desde 1906 hasta 1909. Volvió a Granada para realizar el bachillerato y empezar la carrera de derecho en 1915, carrera que abandonó cuando se instaló en la Residencia de Estudiantes de Madrid (1918-1928) donde conoció a sus compañeros de la Generación del 27 ( generación llamada así por la celebración del tricentenario de la muerte del poeta Luis de Góngora) entre los que destacan Juan Ramón Jiménez, Antonio Machado, Luis Buñuel y Salvador Dalí.
Después de su madre, fue Fernando de los Ríos quien estimuló su amor por la poesía; escribiendo, así, en 1917 su primer artículo sobre el aniversario de José Zorrilla.
En 1918 publicó su primer libro, Impresiones y paisajes. En 1920 se estrenó en teatro su obra El maleficio de la mariposa, en 1921 publicó su primera obra en verso, Libro de poemas, con la cual consiguió llamar la atención y en 1923 se estrenaron sus comedias La niña que riega la Albahaca y El Príncipe Preguntón. Sin embargo, el reconocimiento y el éxito literario de Lorca llegó con la publicación, en 1927, de Canciones, el la representación del drama patriótico, Mariana Pineda.
Entre 1921 y 1924, escribió una obra basada en el folclore andaluz, El poema del cante jondo (publicada en 1931), un libro donde muestra ya su madurez como escritor y un rasgo característico de su literatura: la identificación con lo popular y su posterior estilización culta, que llevó a su plena madurez con el Romancero Gitano (1928), obra donde se funde lo popular y la cultura para cantar al pueblo perseguido de los gitanos, logrando un lenguaje personal, inconfundible a través de la similación y formas populares combinados con audaces metáforas y la estelización propia de la poesía pura de la Generación del 27. Junto a un grupo de estudiantes granadinos funda en 1928 la revista Gallo, de la que publican dos únicos ejemplares.
En 1929, Lorca viajó a Nueva York tras un periodo de serios problemas emocionales (tendencia al suicidio, soledad y homosexualidad). Allí consiguió recuperar el equilibrio y dejar un obra inmemoriable Poeta en Nueva York publicado en 1930, un canto angustiante, con ecos de denuncia social contra la civilización urbana actual. Antes ya había publicado sus libros Canciones (1927) y Primer romancero gitano (1928).
La llegada de la Segunda República supuso un soplo de aire fresco para el poeta granadino. Vive un periodo de intensa vida cultural junto a sus compañeros de la generación del 27: Se encarga desde 1932 de la codirección de la compañía estatal de teatro La Barraca, compañía de teatro universitario que se proponía llevar a los pueblos de España el teatro clásico del Siglo de Oro. Su interés por el teatro es la cristalización artística de su progresiva evolución hacía lo colectivo, hacía la labor social, educativa y pedagógica con el pueblo español: Los dos últimos años de su vida, los consagró al teatro. su dos últimas obras son Yerma (1934), una tragedia al modo clásico griego con un corifeo que dialoga con la protagonista comentando la acción. Al igual que Bodas de Sangre (1933) donde narra un suceso real que inspiró el drama de una novia que huye tras su boda con un antiguo novio, Leonardo, Su huida, llena de premoniciones, en la que la muerte aparece como personaje, presagia un final al que se viene aludiendo desde la primera escena: la muerte de los dos hombres, segando así la continuidad de su estirpe. De esta manera, la pasión y la autobúsqueda concluyen con la destrucción del orden establecido.
Lorca adoptó una posición política decididamente antifascista y republicana. Junto a otros intelectuales y artistas firmó a finales de la década de los veinte un manifiesto crítico con la dictadura de Primo de Rivera; en 1933 suscribió una protesta contra la persecución de escritores y la quema de libros por el gobierno nazi; condenó públicamente la invasión del fascismo italiano a Etiopía; se opuso al procesamiento de Manuel Azaña durante el gobierno de Gil Robles; protestó contra la dictadura de Salazar en Portugal; se solidarizó con los perseguidos políticos por el régimen autoritario de Getúlio Vargas en Brasil y criticó la represión estadounidense en Puerto Rico. En vísperas de las elecciones generales de febrero de 1936, firmó, en apoyo a la campaña electoral del Frente Popular, el documento Los intelectuales con el Bloque Popular, cuyos signatarios reivindicaban "la necesidad de un régimen de libertad y de democracia, cuya ausencia se deja sentir lamentablemente en la vida española desde hace dos años", en alusión al bienio conservador de la CEDA y el Partido Radical.
Indignado con el clasismo y comprometido con los sectores populares. Hirió el orgullo de una burguesía hipócrita y aferrada al pasado, la clase de caciques y terratenientes que lo envidió y denunció, criticando en la prensa que "en Granada se agita actualmente la peor burguesía de España", y poniendo en evidencia la vacuidad de "los señoritos que tienen en sus casas cuadros con marcos de peluche rojo y clavos dorados". En Comedia sin título arremetió contra las "gentes de la ciudad, que vivís en la más pobre y triste de las fantasías. Todo lo que hacéis es buscar caminos para no enterarse de nada. Cuando suena el viento, para no entender lo que dice, tocáis la pianola; para no ver el inmenso torrente de lágrimas que nos rodea, cubrís de encajes las ventanas; para poder dormir tranquilos y acallar el perenne grillo de la conciencia, inventáis las casas de caridad". En 1934, en una entrevista en El Sol, se declaraba "partidario de los pobres que no tienen nada". Y en 1935 afirmaba en La Voz: "A veces, cuando veo lo que pasa en el mundo, me pregunto: «¿Para qué escribo?» Pero hay que trabajar, trabajar. Trabajar y ayudar al que lo merece. Trabajar aunque piense uno que realiza un esfuerzo inútil. Trabajar como una forma de protesta. Porque el impulso de uno sería gritar todos los días al despertar en un mundo lleno de injusticias y miserias de todo orden: ¡Protesto!".
Indignado con el capitalismo y comprometido con valores socialistas. En los Estados Unidos de la Gran Depresión denunció las formas de vida cosificadoras bajo el capitalismo industrial, retratando los problemas sociales, políticos y económicos de la sociedad estadounidense, como la alienación humana respecto a la naturaleza generada por la mecanización productiva: "Con la rueda, el aceite, el cuero y el martillo / noventa mil mineros sacaban la plata de las rocas / y los niños dibujaban escaleras y perspectivas". La soledad y deshumanización de la vida en la urbe: "Hay un dolor de huecos por el aire sin gente". Las estratificaciones sociales: "En Nueva York se dan cita las razas de toda la tierra, pero chinos, armenios, rusos, alemanes siguen siendo extranjeros". Y el impacto ecológico de la industrialización: "La aurora de Nueva York tiene / cuatro columnas de cieno / y un huracán de negras palomas / que chapotean las aguas podridas". En unas charlas sobre su experiencia en Nueva York publicadas póstumamente, declaró que los trabajadores estaban "encadenados por un sistema económico cruel al que pronto habrá que cortar el cuello". En 1936 reafirmaba en El Heraldo de Madrid su conciencia crítica frente a las desigualdades económicas: "Mientras haya desequilibrio económico, el mundo no piensa. […] El día en que el hambre desaparezca, va a producirse en el mundo la explosión espiritual más grande que jamás conoció la Humanidad. Nunca jamás se podrán figurar los hombres la alegría que estallará el día de la Gran Revolución".
El levantamiento militar de Sanjurjo, Mola y Franco y la posterior guerra Civil Española supusieron su sentencia de muerte. Tras una denuncia anónima, el 16 de agosto de 1936 fue detenido en casa de su amigo, el falangista y poeta luis Rosales. A pesar de que los golpistas prometieron que sería puesto en libertad si no existía denuncia en su contra, ninguno de sus amigos falangistas le defendieron. Así, el 19 de agosto de 1936, fue fusilado por "rojo, republicano y maricón".
Los creativos publicitarios recurren a técnicas literarias que siempre han sido el mejor y más estético cauce de transmisión de ideas. El cuidado de la estética es uno de los mejores mecanismos para conseguir que un anuncio permanezca en la memoria de los consumidores.
El anuncio de cruzcampo de 2004 es un claro ejemplo. El actor que representa la figura de Federico García Lorca empieza recitar la cancioncilla del primer deseo cuando le sirven la cerveza en un bar de aquella época. El actor está como Lorca en sus años de madurez, produciendo cierto símil con el retrato del poeta.
El poema está cargado de rasgos simbólicos y modernistas: El poema empieza con en la mañana fría, quería ser corazón, corazón representando la mañana con el despertar frío donde el amor está floreciendo y la tarde madura con el desarrollo del romance representando el paso del tiempo , donde canta el ruiseñor que llama a la noche.
En el poema, Lorca pide al alma que se ponga de color naranja. En este verso, alma, ponte color naranja; alma ponte color de amor podemos observar un rasgo simbolista en el que el color naranja representa la vida, la plenitud y la alegría. (Por eso, cruzcampo utiliza este momento donde la cerveza con su color naranja representaría los mismos sentimientos que representa ese color en el poema de Lorca).
Cuando termina de recitar la primera estrofa, se oye un tañido de guitarra. La guitarra es un elemento de refuerzo para el poema, puesto que Lorca era andaluz y en su poesía podemos encontrar la ubicación meridional de Granada, donde se encontraba viva la herencia mora, el folclore, el oriente y una geografía agreste, quedó impresa en toda su obra poética, donde los romanceros y la épica se funden de manera perceptible.
Lorca consigue en su poesía crear un momento de lucidez e intensidad emotiva y estética transformando objetos de la realidad en vivencias profundas, de naturaleza sensible en un momento y tiempo determinados gracias a las imágenes (el tablao flamenco), la melodía (la imagen de Paco de Lucía, figura clave en el flamenco, tocando la guitarra) y la escenografía que representa una imagen folclórica de Andalucía.
La poesía pretende llevar a los lectores a una vivencia similar a la que ha vivido el poeta, por lo que los receptores deben romper su aislamiento e implicarse íntimamente para vivir las mismas sensaciones que el poeta.
