Los primitivos flamencos son los pintores que desarrollaron sus obras sobre tabla en Flandes y Países Bajos en el siglo XV. Y que unen elementos góticos y renacentistas en la transición de la Edad Media a la Edad Moderna.
La calidad técnica de las pinturas no tiene precedentes directos en la zona, más allá de las miniaturas, pero se convertirán en una referencia mundial, coetánea a la pintura de primer renacimiento italiano del Quattrocento.
La sociedad que vio nacer la pintura flamenca: contextualización
La pintura excede geográficamente Flandes, por eso algunos autores lo denomina primitivos neerlandeses, afectando al actual Benelux y al nordeste de Francia, todo el territorio unificado por el Ducado de Borgoña en 1433. Se trataba de una zona densamente poblada y con una enorme actividad comercial en centro urbanos como Brujas y Gante. Lo que propicia un gran mercado de arte burgués de banqueros y comerciantes.
Cambios en la producción artística del siglo XV y principales rasgos de la pintura flamenca
La demanda de obras de arte supuso la creación de algunas obras siguiendo patrones fijos y casi en serie, destinadas a un consumo masivo, aunque siempre serán las obras singulares las de mayor grado técnico y valor. Los autores, agrupados en gremios, fueron ganado cada vez más prestigio social y más repercusión económica. La existencia de estos poderosos gremios traerá consigo que casi todas la sobras compartan rasgos comunes:
- Técnica de pintura al óleo: se extiende su uso gracias a la utilización de secantes y permite unos colores mucho más vivos que el temple, así como veladuras translúcidas.
- Detallismo: la utilización de pinceles pequeñísimos permitió reflejar detalles de pequeño tamaño que incluso necesitan de una lupa para ser vistos.
- Realismo y naturalismo: se busca plasmar la realidad no soo de la materia, sino de los sentimientos, llegando a ser incluso demasiado cruda, muy alejada de la idealización italiana..
- Respeto por la naturaleza, gusto por el paisaje: aparece tanto en las escenas exteriores como en las interiores (vistas desde las ventanas) y reflejan la realidad con gran detallismo y cuidado.
- Simbolismo: los cuadros se llenan de detalles simbólicos que rodean y dan sentido a las escenas (objetos, paisajes, arquitecturas, etc.).
- Nuevos géneros pictóricos: se consolida el retrato como auge del individuo y del mecenas. También aparecen los bodegones y se multiplican las escenas de interior como muestra del mundo doméstico.
- Obras de pequeño formato: algunas de estas obras se realizaron en formatos reducidos, incluso de tamaño de postal, con la idea de transportarse y ser observadas en la intimidad doméstica, si bien esto no supuso la desaparición de las obras de gran formato como en las iglesias.
Los fundadores de la escuela: el Maestro de Flémalle, Jan van Eyck y Rogier van der Weyden
Maestro de Flémalle
Identificado como Rober Campin (1375-1444), no firma la mayor parte de sus obras, por lo que pudieron haber sido obra también de su taller, pero en otras se ve claramente su singularidad, representada por contornos bien perfilados, rostros individualizados y detallismo en las calidades de los objetos y con gran simbolismo (pintura táctil). Los Desposorios de la Virgen (1420) muestran dos escenas unidas, en el exterior del templo gótico el casamiento y en el interior, en un templete románico que representa el pasado, el milagro de la Vara Florida que designaba a José como esposo. Todo el cuadro simboliza el paso de la Antigua a la Nueva Alianza.
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| Desposorios de la Virgen (1420) |
- El Tríptico de la Anunciación o Tríptico Mérode (1425)
El Tríptico de la Anunciación o Tríptico Mérode (1425), obra de su taller, aparece la escena ambientada en una casa burguesa de la época, uno de los símbolos de este periodo de la pintura flamenca, que dota de cotidianeidad las escenas religiosas. Los pliegues y texturas están perfectamente conseguidos, mientras que la perspectiva es todavía torpe.
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| Tríptico de la Anunciación o Tríptico Mérode (1425) |
Parte izquierda
Nuestro tríptico puede leerse, en una primera mirada, con bastante facilidad. La tabla de la izquierda nos muestra a los dos donantes anónimos ubicados de un patio almenado, donde hay un tercer personaje y un paisaje urbano, entrevisto por la puerta que se abre al fondo. Ambos donantes dirigen su vista hacia el interior que se recoge en la tabla central, donde transcurre la escena de la Anunciación, con una ventana que nos deja ver algunas nubes en el cielo. Finalmente, la tabla de la derecha nos presenta a San José, atareado en su trabajo de carpintero. Ahora otra ventana nos presenta un claro paisaje urbano, con una plaza, varias viviendas y edificios religiosos.
El simbolismo se refleja en los textos del Antiguo y Nuevo Testamento presentado en el rollo y el libro frente a María, o las azucenas que simbolizan su virginidad,
En los laterales aparecen los mecenas observando la escena y el taller de San José, con un catálogo de herramientas de carpintería. Campin se recrea, como es propio de los flamencos, hasta en los más pequeños detalles pero, al mismo tiempo, recurre a diversos elementos simbólicos. Los objetos de la mesa están cargados también de significado: las flores blancas aluden a la pureza de María, mientras que la vela recién apagada y aún humeante hace referencia a la propia divinidad
Los propios instrumentos podrían aludir a la pasión de Cristo, pero es que San José está empleando un berbiquí para taladrar una tabla. Hay quienes consideran que está fabricando una ratonera (que podría servir para encerrar al diablo, vencido por Jesús), pero otros estudiosos indican que podría tratarse de una tabula spinaria, un posible instrumento de la Pasión.
En cuanto a los retratos deben destacarse el Retrato de hombre robusto (1425), que muestra un retrato naturalista y detallista, fiel a la verdad y con toda su crudeza, reflejando los defectos y marcas del envejecimiento (papada, arrugas, ojeras, barba incipiente)
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| Retrato de hombre robusto (1425) |
Un poco más tardío (1435) es Retrato de una dama, que refleja la mitad de un díptico y que muestra un rico dominio de la técnica en el reflejo de la gama de blancos que aparecen el tocado
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| Retrato de una dama (1435) |
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| San Juan Bautista y el maestro Franciscano Enrique de Werl (1438) |
Esta tabla y su compañera (P1514) son los interiores de las puertas de un tríptico cuya parte central no se conoce. Representa al monje franciscano Henricus de Werl. Orante y con el hábito de su orden, está de rodillas en el umbral de una puerta abierta. A la izquierda se halla san Juan Bautista, vestido con rudas prendas, en alusión a su condición de penitente, y cubierto con una capa roja. En su brazo izquierdo sostiene un libro sobre el que se asienta un cordero, símbolo de Cristo y de su sacrificio, que a Juan corresponde anunciar. La estancia alargada en la que se encuentran está captada en fuerte perspectiva hacia el fondo. La iluminan dos ventanales, divididos en cuatro huecos por una cruz. Las vidrieras superiores están decoradas con rombos, y en su centro tienen escudos heráldicos en marcos polilobulados. Por encima de ella, sobre un pedestal, una escultura en piedra de María coronada con el Niño en brazos es llamativamente similar a piezas más o menos coetáneas.
El retrato del personaje arrodillado, como aclara la inscripción, es el maestro Henricus de Werl de Colonia, encargado por él mismo en 1438. Werl era miembro de la orden franciscana y desde 1430 pertenecía a la universidad de Colonia, donde llegó a teólogo en 1435. En 1432 fue elegido provincial superior de la orden en esa ciudad, lo que le autorizaba a expresar su condición de «magister» con que se presenta en la inscripción.
Ante la amalgama de influencias y relaciones cruzadas de la obra del Prado con tantas pinturas del entorno del Maestro de Flémalle y Van der Weyden, sin que haya evidencia clara de que sean de uno de estos dos artistas, cabe concluir que están realizadas por un seguidor del primero, buen conocedor de ciertas obras del segundo. Es un artista que supo plasmar detalles con minucioso cuidado, como las llamas, chispas y reflejos de la luz de la lumbre o las pequeñas figuras junto a la torre al fondo, pero que, sin embargo, tendría poco apego por las formas, los patrones o por los ritmos lineales que interesaban a Flémalle y a Van der Weyden.
Jan van Eyck (1390-1441)
Es quizás el más virtuosos de este periodo. Ligado desde época temprana a la casa de Borgoña, se acaba convirtiendo en el pintor de referencia y verdadero maestro del óleo. Supo captar la naturaleza en su totalidad, pero a la vez lograba el efecto inquietante de lograr una cierta perturbación en la observación de sus personajes a pesar de su aparente distancia.
Característica en su obra es la superposición de finas capas de pintura que producen un efecto transparente y reflectante. Con este método llega a representar con gran minuciosidad la calidad de las telas, la piel, la transparencia de los vasos, etc
El políptico del Cordero Místico
En el políptico del Cordero Místico, realizada junto a su hermano Hubert y acabada en 1432, que forman 12 tablas, para ser observadas tanto cerradas como abiertas. En la parte central se observa la adoración del cordero místico en torno a 3 elementos clave (el sol, el cordero y la fuente de la vida
El promotor fue el rico burgués y diplomático al servicio de Felipe el Atrevido de Borgoña Jodocus Vid y su esposa, estando el políptico destinado a su capilla familiar situada en el deambulatorio de la catedral de Gante.
Este gran políptico está formado por 24 tablas
El retablo se empezó a restaurar en 2010 acabando la primera fase en 2017 restaurando los paneles traseros de las dos puertas. La segunda fase ha concluido en 2019 restaurando los paneles inferiores : los de la derecha - el de peregrinos y ermitaños ; la escena central con la Adoración y los de la izquierda el de los caballeros de Cristos y el de los Jueces justos..
El tema central tiene como fuente el Apocalipsis de San Juan que narra como una multitud de gente se acercan al Cordero para adorarle como fuente de salvación
Diferenciamos el políptico con sus tablas cerradas y abierto.
En los lados, flanqueando la escena, aparecen los caballeros, los jueces, los ermitaños y los peregrinos de Cristo. En la parte superior, Dios preside la escena junto a San Juan Bautista, la Virgen, Adán y Eva y dos grupos de ángeles cantores.
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| políptico del Cordero Místico |
EL POLÍPTICO ABIERTO
Se divide en dos niveles el superior con menos figuras pero mucho más grandes y el inferior con muchas más figuras pero más pequeñas y más complejo que se atribuye a Hubert van Eyck
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| Caín y Abel |
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| Adán |
- Adán se representa desnudo como autor del pecado que se tapa con una hoja En la parte superior en grisalla una escena en la que se encuentran Caín y Abel haciendo ofrendas a Dios
- ángeles cantores alabando a Dios luciendo vestidos elegantes
- María idealizada y con una bella melena rubia, se encuentra sentada y leyendo un libro representado con gran detallismo .
- Está vestida con manto azul ribeteado de bordado y adornada con joyas como la rica corona sobre su cabeza.
- Dios padre sentado sobre su trono con una rica túnica y manto rojo con tiara y báculo bendiciendo con tres dedos aludiendo a la Trinidad mientras en el suelo se encuentra una corona como símbolo del rey del mundo.
- Juan Bautista con pelo y barba viste con un manto de piel como dice la tradición pero se cubre con una capa de color verde. También lleva un libro que descansa sobre sus rodillas.
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| Eva |
A la derecha ángeles músicos que alaban a Dios tratados con minuciosidad en tejidos , brocados y los instrumentos musicales como el arpa. Y en la última tabla Eva desnuda que lleva una fruta como alusión al pecado original. En la parte superior y en grisalla se representa la muerte de Abel a manos de Caín
- Junto al pozo del que surge un vástago y que simboliza la fuente de la vida se encuentran a nuestra izquierda los patriarcas como Noé o Moisés, profetas con sus libros como símbolos del Antiguo Testamento pero también aparece con túnica blanca y barba Virgilio y a nuestra derecha los 12 apóstoles ( no está Judas pero si Pablo cerca del pozo) como símbolos del Nuevo Testamento. Se suman a estos santos y representantes de la iglesia como papas , obispos, sacerdotes. Esta fuente de la que mana el agua que redime sería el símbolo también del Bautismo.
Sobre un altar se adora al cordero de cuyo pecho sale abundante sangre que es recogida en un cáliz, simboliza el sacrificio de Cristo y también remite a la Eucaristía..
Los ángeles, algunos portan los instrumentos de la Pasión como la cruz , columna, clavos,.... y otros purifican el aire mediante incensarios.
En el fondo se divisan las torres de la ciudad de Gante, símbolo de la Jerusalén celestial, y un paisaje idealizado con prados y con árboles frutales. Por dos caminos se acercan hacia el Cordero aquellos que han sufrido el martirio con sus palmas y sus coronas de gloria, por un lado los santos y por otro las santas.( Santa Úrsula, Santa Bárbara, Santa Inés.....). Se observa desproporción entre los personajes y el paisaje
EN EL POLÍPTICO CERRADO se pueden apreciar tres niveles.
- En el nivel inferior cuatro figuras los donantes orantes y en grisalla San Juan Bautista con un cordero en los brazos y San Juan Evangelista más joven y portando un cáliz. La posición de sus cabezas se contraponen.
En el nivel intermedio el tema de la Anunciación en la que el arcángel Gabriel con cabellos rubios y alas lleva un ramo de lirios, símbolo de la pureza inclina su cabeza y parece saludar ; mientras María que viste con larga capa blanca parece sorprenderse deteniendo su lectura y cruzando las manos sobre el pecho al tiempo que posa sobre su cabeza una paloma
La escena tiene lugar en una estancia en la que el efecto profundidad se consigue mediante el estrechamiento de las paredes mientras el suelo sube y el techo desciende. También contribuyen a la profundidad el mirador que deja ver un cielo azul frío o nórdico y un paisaje de una ciudad. Junto a este mirador y con gran detallismo una hornacina coronada con gablete gótico presenta: una toalla, un cuenco para agua y un aguamanil.
También se distingue una pequeña ventana en la tabla de arcos trilobulados donde se encuentra la Virgen y detallismo en las letras del libro y en los elementos que se observan en la hornacina donde el clarooscuro contribuye a la profundidad entre los que se encuentran libros y un candelabro.
En el nivel superior aparecen a la izquierda Zacarias y la sibila Eritrea; y a la derecha la Sibila de Cumas y el profeta Miqueas . Profetas y pitonisas enlazan clasicismo y Antiguo Testamento y llevan letreros en los que cuentan sus visiones. Esta unión de lo clásico y Bíblico se verá también en la Bóveda de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel
En el políptico abierto la parte inferior fue realizada por Hubert porque las figuras son más arcaicas y a veces casi miniaturizadas y con escasa sensación de volumen aproximándose más al gótico internacional.
La técnica es el óleo que emplea aceite como aglutinante de los pigmentos. Aunque ya se conocía los hermanos Van Eyck la perfeccionaron
El óleo permite pintar más despacio pues se seca más lentamente , realizar rectificaciones , veladuras y conseguir calidades matéricas en vestidos: pieles, telas , paños, brocados; libros, instrumentos musicales. y un gran detallismo en joyas, árboles, conseguido utilizando a veces pinceles del grosor de un cabello.. Todo esto implicaba un trabajo minucioso.
La composición es cerrada siendo el punto de tensión el eje que ocupa el imponente Dios Padre, el Espíritu Santo , el Cordero ( símbolo de Cristo ) y el Pozo.
Tiene gran importancia el dibujo que delimita las formas , los colores
Los colores son brillantes y luminosos entre los que destacan el rojo, el azul y el verde sobre todo en los tres personajes de la parte superior. También sobresale el color dorado de las aureolas recuerdo del bizantinismo, de los pelos rubios y castaños y de los blancos de los ángeles.
Tratamiento de las figuras. La mayor parte de las figuras están idealizadas como María o Dios Padre, incluso los prados y los árboles pero sin embargo Adán y Eva están tratados con gran naturalismo , desnudos y con un gran interés por la anatomía y el volumen modelado con clarooscuro muy visible en las caras , detallismo y cuidoso interés en los cabellos.
También son realistas los donantes que se encuentran en hornacinas con arcos trilobulados en el que el juego de luces y sombras las dota de profundidad
El sentido del espacio se aprecia en la escena de la Anunciación con una perspectiva por una parte clásica o lineal y otra introducida mediante el mirador y ventanas
En las tablas del Cordero el encuadre se realiza desde lo alto como a vista de pájaro , no existiendo relación con el paisaje .
La iluminación en la parte inferior es bastante uniforme parece proceder de lo alto incidiendo directamente en el cordero. En la parte superior atribuida a Jan Van Eyck se observa la evolución en la introducción de clarooscuro modelando y dotando a estas grandes figuras de volumen
La expresión es algo hierática en Dios Padre,Adán y Eva están presentados con gran dignidad con una mirada entristecida por la pérdida del Paraíso.La expresión de los donantes es de recogimiento mostrando los rasgos ya de la vejez pero no de sumisión ya que sus cejas levantadas y enmarcadas y su mirada fija denotan una fuerte personalidad.
CONTEXTO, FUNCIÓN, SIGNIFICADO.
La pintura de los llamados primitivos flamencos se desarrolla en una situación económica de auge comercial en ciudades como Brujas o Gante y el consiguiente crecimiento de la clase burguesa.
Este grupo social acaba imponiendo sus gustos por el confort de las viviendas con retratos individuales y paisajes y también un mayor naturalismo en las escenas religiosas.
En el caso de este políptico aparecen los retratos realistas de los donantes en actitud orante. Esto es un ejemplo del individualismo burgués que quieren perdurar después de su muerte o en este caso figurar claramente como promotores pero no anónimos
SIGNIFICADOS
El gran tema se encuentra en el centro del retablo cuando la multitud se acerca a adorar al Cordero símbolo del sacrificio de Cristo hecho por el que se produce la redención y de la salvación según la visión de San Juan en el Apocalipsis en un pasaje del capítulo 7 "Después de esto, vi que había una multitud tan grande que nadie no la habría podido contar. Eran gentes de todas las naciones, tribus, pueblos y lenguas. Permanecían de pie delante del trono y delante del Cordero, vestidos de blanco y con palmas en las manos, proclamaban en voz alta: La salvación viene de nuestro Dios, que se sienta en el trono, y del Cordero".
Pero existen otros elementos simbólicos cuyos significados se relacionan también con la salvación.
- La presencia de Adán y Eva y del asesinato de Abel remiten al origen del pecado.
- La presencia de los profetas y de las sibilas del políptico cerrado aluden al anuncio de la llegada del Mesías que redimirá del pecado. Si por un pecado muere el hombre por el sacrificio de Jesús el hombre recobra su salvación según textos bíblicos y sobre todo de San Pablo.
- Los " Juanes " también estarían relacionado con el mundo profético. Juan Bautista sería considerado como el último profeta y Juan Evangelista quien en el Apocalipsis anuncia la segunda y definitiva venida de Cristo en toda su gloria.
- La Anunciación claramente remite a los orígenes del nacimiento de Jesús como Mesías salvador con la presencia del Espíritu Santo.
- El pozo o fuente de la vida simbolizaría el Bautismo que nos " limpia " del pecado original, también se puede relacionar con frases bíblicas " quién bebe de este agua no tendrá sed".
- El cordero fue siempre en el mundo cristiano el símbolo del sacrificio de Jesús , su pasión y muerte. El profeta Isaías decía que sería llevado como un cordero al sacrificio . Además la Pascua cristiana con el sacrificio de Jesús enlazaría con la Pascua judía del sacrificio del cordero con el paso de Dios matando a los primogénitos egipcios.
- Las alusiones a la Eucaristía en el cáliz lleno de sangre por la que se participa de su muerte
- Por último el Cordero , el hijo, está ligado al Espíritu Santo que se encuentra encima y éste a Dios todopoderoso cuya corona simbolizaría su poder como rey del mundo. De este modo se establece el vínculo entre la Trinidad.
Retratos
Entre sus retratos destaca el Hombre con turbante rojo (1423), de quien se especula que pudo ser su suegro o incluso un autorretrato. Muestra un rostro pálido y severo, con una mirada fría y algo despiadada, que además resalta el contraste entre el tono de la piel y el fondo oscuro, con la nota de color intenso del turbante.
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| Hombre con turbante rojo (1423) |
- Matrimonio Arnolfini (1434)
Otro famosos retrato es el Matrimonio Arnolfini (1434). Los recién casados (seguramente miembros secundarios de la familia) saludan a los espectadores y testigos que se reflejan en el espejo, incluido el propio pintor según la inscripción del cuadro. Aparte del doble retrato presenta una variada carga simbólica, como la vela símbolo del cirio del lecho nupcial, Santa Margarita como patrona del parto, las frutas que representan fertilidad. La esposa, de verde, simboliza la esperanza en tener descendencia, posando su mano en el vientre. Los zuecos dan sacralidad a la escena y el perro representa la fidelidad del matrimonio.
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| Matrimonio Arnolfini (1434) |
El motivo central del cuadro es la boda de Giovanni Arnolfini, un rico comerciante italiano afincado en Brujas. Esta obra es una de las más representativas de la pintura flamenca del siglo XV. En la imagen aparecen ambos cónyuges, el marido toma la mano de la esposa con la izquierda mientras bendice el matrimonio con la derecha, se trata de un rito matrimonial anterior al Concilio de Trento, el resto de la escena está compuesta por un interior, supuestamente la casa del matrimonio, con gran profusión de detalles. Así podemos decir que la composición es más bien sencilla, ocupando el matrimonio el centro de la escena. La luz desempeña un papel fundamental, de carácter natural entra por las ventanas de la estancia e inunda suavemente la estancia y contribuye a dar profundidad a la escena. No se utiliza ni perspectiva caballera ni axionométrica, sin embargo no está exenta de profundidad, sin embargo, no es matemática, sino más bien intuitiva debido a la naturalidad que impone la pintura flamenca, el espejo del fondo, ayuda bastante a crear profundidad. Los colores son vivos y brillantes, sin duda, debido a la utilización del óleo, una técnica nueva, ideada por los pintores flamencos que consiste en utilizar como aglutinante algún tipo de aceite y grasa, así el coloronte adquiere mayor intensidad como se observa en el verde del vestido. No obstante, no desaparece la línea, que también tiene un valor compositivo, creando un equilibrio perfecto entre línea y color.
La función no sería otra que conmemorar el matrimonio de la pareja Arnolfini, y su significado sería exaltar los valores del matrimonio, para ello Van Eyck utiliza diversos símbolos, por ejemplo, el perro que representa la fidelidad o el ir descalzos que representa la pureza.
- La Virgen del canciller Rolin (1435)
En las obras de temática religiosa destaca también La Virgen del canciller Rolin (1435), en el que aparece el canciller retratado mirando frente a frente a la Virgen, sin barreras arquitectónicas ni diferencias de tamaño, en plano de igualdad. Al fondo, en la ventana aparece la silueta de una ciudad observada por dos personajes desconocidos y en los capiteles se pueden observar detalles del Génesis.
La Virgen del Canciller Rolin es una obra del flamenco Jan van Eyck realizada en 1435. La pintura muestra gran parte de las características del arte flamenco de los siglos XV y XVI: gusto por los detalles y simbolismo. Los pliegues del manto de la Virgen son de un gran realismo. Es común en la pintura de la época el alternar personajes bíblicos con escenas contemporáneas. La figura que acompaña a la virgen es el Canciller Rolin, mecenas de la obra. El hecho de que mire directamente a la Virgen y que tenga el mismo tamaño que ella es una muestra de pretenciosidad del retratado, normalmente el comitente de la obra era pintado con menor tamaño que los personajes sagrados. En cuanto al simbolismo podemos observarlo en un detalle: los viñedos del fondo del paisaje, ya que la fortuna del Canciller provenía de los viñedos que poseía lo que recuerda al espectador el poder del mecenas. La minuciosidad del pintor queda patente en los capiteles de las columnas de la estancia: al hacer zoom sobre ellas se ve que narran escenas del Antiguo Testamento. La obra se expone en el Museo del Louvre de París.
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| La Virgen del canciller Rolin (1435) |
Rogier van der Weyden (1399-1464)
Discípulo durante 5 años del Maestro de Flémalle, viajará también por Italia, donde conocerá las tendencias imperantes en la zona y acabará plasmando en sus obras un estilo claro y preciso que reúne todas la características el periodo (dominio del óleo, realismo, detallismo y cualidades táctiles), pero logró además captar los sentimientos y sufrimientos humanos. Este hecho se muestra, por ejemplo, en El Descendimiento (1435), donde 10 figuras se agrupan en un espacio reducido, enmarcados por dos figuras curvas (San Juan y María Magdalena), las dos diagonales centrales de Cristo y la Virgen, que comparten el dolor (Compassio Mariae), mientras el resto de personajes apenas pueden reprimir sus sentimientos.
El Descendimiento (1435)
La composición es simétrica con un eje central formado por la cruz, José de Arimatea y el joven que descuelga el cuerpo de Jesús
Es una composición cerrada, cierran la composición como en forma de paréntesis por un lado de rojo San Juan y por el otro María Magdalena cuyo vestido algo escotado haría alusión a su condición de pecadora.
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| El Descendimiento (1435) |
Se repiten actitudes en las dos figuras que están junto a Cristo ( una de las tres Marías y Nicodemo con la cabeza girada hacia el lado derecho - nuestra izquierda ) y las dos diagonales de Cristo y la Virgen pero con contrastes, una desnuda y otra vestida, una color frío y otro cálido, una desmayada y con el brazo caído y otro muerto con la misma posición del brazo.
Sobre un fondo dorado, típico del gótico se destacan las figuras de color vivo ( rojo de Juan , azul intenso de la Virgen realizado a partir de lapislázuli) . Si os fijáis el color rojo aparece distribuido por todo el cuadro.
Tratamiento de las figuras. Se caracterizan por tener gran volumen casi como esculturas como se observa bien en algunos cuellos y en los rostros con contraste entre luz y sombreado
Presenta características de la pintura flamenca con gran riqueza en el tratamiento de vestidos cuyas texturas permiten diferenciar sedas , terciopelos y detallismo como el cinturón con inscripciones de María Magdalena, la túnica de Nicodemo o la sobrepelliza
Una de las grandes aportaciones de este cuadro es la expresividad para representar el dolor: angustia, pena , llanto, desmayo de la Virgen
Para la obra del descendimiento de la cruz, su autor utilizó diez figuras de tamaño natural las cuales comparten una especie de escenario de poca profundidad. El cuerpo sin vida de Cristo es el foco central. Este cuadro está pintado en dorado y la naturaleza que tanto renombre ha dado a los pintores flamencos se limita a unos cuántos vestigios en el suelo.
Todas las figuras están íntimamente ligadas a las demás. Figuras entrelazadas en retorcidas posturas.
Ciertamente el hecho de que la superficie pintada sea de un relieve policromado, le dá una fuerza especial a esta composición.
María
La posición de María colapsándose en una pose similar a la de su hijo fue algo nuevo en ese tiempo y fue una innovación de este artista. El utilizó este método de repetición a lo largo de toda la pintura para reforzar su impacto visual. Como por ejemplo, la mano derecha de la Virgen es un eco de la mano izquierda de Cristo. Pero sus tonalidades son diferentes: la mano de la Virgen, es blanca y pálida por el desmayo y la de Cristo tiene un tono azulado tras la muerte.
Pareciera que ella también estuviese sin vida. Y es que ella está sufriendo una agonía emocional equivalente al extremo dolor físico que sufrió Cristo.
María se encuentra desmayada y Juan se inclina para sostenerla. El cuerpo de María forma una linea diagonal parecida a la de su hijo. Repito, esta imitación hace que madre e hijo compartan un mutuo dolor.
Al ver tan terrible experiencia de María, los fieles que se encuentran a su lado son despertados por una inmensa compasión ante el sufrimiento de Cristo.
El tocado de la Virgen es blanco porque es el color de la pureza e inocencia. Miren cómo se repite este color en todo el cuadro.
Su traje está pintado de un color azul ultramarino. Este pigmento tan especial ha hecho que las pinturas de este artista tengan un valor especial.
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| María en el Descendimiento |
El cuerpo de Jesús lo sostienen José y Nicodemo. Estos dos ancianos parecen muy tranquilos.Según los Evangelios, ellos bajaron a Cristo muerto de la cruz y lo pusieron en un sepulcro abierto en una peña.
José fue un hombre afortunado que obtuvo permiso de bajarlo de la cruz. El lo colocó en la tumba que fue originalmente destinada a hacer su lugar de entierro.
Nicodemo fue quien sujetó los pies de Cristo. Pongan atención en el exquisito detalle de su vestimenta. Existe un intrigante conflicto entre la profunda y apasionada emoción de la escena y la habilidad de van der Weyden para expresar cada detalle del traje con una objetividad desapasionada.
María Magdalena
Ella es la mujer que retuerce sus manos y llora inconsolablemente en el extremo derecho del cuadro. En una posición agresivamente contorsionada. Un atributo tradicional de María Magdalena es la presencia de un tarro de ungüento. El mismo se encuentra sostenido por el hombre situado a su izquierda. Esta pecadora arrepentida utilizó la mirra que contenía el tarro para ungir los pies de Cristo.
Era una práctica común incluir 3 o 4 Marías en una escena de la Crucifixión pero no había autoridad bíblica para incluir tantas.
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| María Magdalena en el Descendimiento |
Ella es María la esposa de Cleopas. Ella supuestamente fue una de las mujeres que estuvo presente en la Crucifixión de Cristo.
Al igual que María Magdalena, se encuentra llorando en un extremo del cuadro, en este caso al lado izquierdo. Se tapa sus ojos porque no puede reprimir sus lágrimas
San Juan se encuentra vestido de rojo, sujetando un brazo de María y consolándola. Su postura hace eco de la figura de María Magdalena en el lado opuesto de la pintura. La cara de Juan demuestra la maestría del artista para expresar pena en las caras de sus figuras. Cada una son únicas y sacadas de la vida real. La cara de San Juan , por ejemplo, muestra un ser que lucha con sus emociones.
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| San Juan |
A sus pies se encuentra el cráneo que representa a Adán.
La crucifixión tuvo lugar en el monte Calvario " el lugar de la calavera" donde se decía que Adán fue enterrado.
Las dos ballestas doradas ( armas para disparar flechas ) y pequeñas que hay en la tracería gótica de este retablo permiten identificar quién lo encargó: en este caso fue el Gremio de Ballesteros de Lovaina para su capilla de Notre-Dame.
Jesús
El cuerpo de Cristo también presenta la forma de una ballesta disparada.
La tracería cumple una importante función ya que señala la frontera entre el reino sagrado de estas diez figuras y el mundo del espectador.
El tono marmolado del cuerpo de Cristo contrasta con la blancura de su lino. Esta figura es trágica pero hermosa. Sus cincos heridas de sangre y la pálida corona de espinas de alguna manera adornan por otra parte su cuerpo intachable.
El fuerte color rojo utilizado en la sangre y las vestimentas de San Juan, María Magdalena y José tiene dos propósitos:
- tiene un valor simbólico que es el de la Pasión, y
- lleva el ojo del espectador por toda la escena como un refuerzo a las heridas de Cristo.
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| Jesús en el descendimiento |
- Significado. Redención mediante la muerte y posterior resurrección de Cristo .
- Valoración. El cuadro es un ejemplo de manifestación de la expresividad del dolor humano. y fue uno de los preferidos de Felipe II.
En el cuadro de San Lucas dibujando a la Virgen, se sigue el modelo de la Virgen del canciller Rolin de Van Eyck, aunque en esta ocasión es un evangelista quien aparece al mismo nivel que la Virgen. Este hecho reivindica el papel de los pintores y pudiera inclusos ser un autorretrato.
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| San Lucas dibujando a la Virgen |
En cuanto a los retratos, el más destacado es Retrato de mujer, de la época final, donde reprime los sentimientos que se mostraban antes y muestra un retrato, posiblemente idealizado, de templanza y calma, destacando los diferentes tonos de piel y del tocado transparente de la mujer, con la nota de color intensa del ceñidor, y un escote pronunciado, aunque oculto.
Los ojos miran hacia abajo en señal de humildad, así como sus manos en posición de rezo y casi descansando sobre el marco, en contraste a los ricos vestidos que porta.
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| Retrato de mujer |
La consolidación del estilo: Petrus Christus, Dirk Bouts y Hugo van der Goes
Petrus Christus (1410-1476)
Quizás formado junto a Van Eyck, se convierte en el pintor de la ciudad de Brujas tras su muerte. Trabajó con retratos y obras religiosas privadas, como la Joven muchacha, de 1460, que presenta cierto equilibrio entre realismo e idealización, sin tanta crudeza como en otros casos y con cierta influencia italiana.
Destaca el cierto estrabismo de la muchacha, así como unas cejas algo descolocadas, aunque cercana a los ideales de belleza, por su rostro alargado y sus ojos almendrados.
En la Virgen del árbol seco, (1465), de pequeño tamaño y realizada para un oratorio doméstico, aparece la Virgen con el niño en brazos y rodeado de ramas secas entrelazadas, simulando la corona de espinas, con 15 letras A colgadas representando el Avemaría. Todo ello se relaciona con el dogma de la Inmaculada Concepción y la redención de la humanidad por el nacimiento de Cristo.
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| Virgen del árbol seco (1465) |
Dirk Bouts (1410-1475)
Fue el pintor de Lovaina a partir de 1468, y precursor junto a Christus en aplicar la perspectiva geométrica renacentista y en incorporar el paisaje a los retratos a través de ventanas. Su obra más destacada fue el Tríptico de la Última Cena, de 1464, en la que muestra a los apóstoles con rostros hieráticos que servirán de modelo a las escenas de cena eucarística de los siglos posteriores.
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| Tríptico de la Última Cena. Dirk Bout |
Es la primera representación monumental de la Última Cena de Jesús y los doce apóstoles y también es uno de los primeros ejemplos del uso de una perspectiva matemática realmente pensada, tal y como señala Carpeau. Pintada entre 1464 y 1468, la obra fue encargada por la Fraternidad del Santísimo Sacramento. Bouts fue asistido por dos teólogos de la joven Universidad de Lovaina para crear una representación completamente nueva de este episodio evangélico.
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| Última cena |
En su materialización pictórica, Bouts transporta a Jesús y sus apóstoles a un escenario contemporáneo, la Lovaina del siglo XV. Si uno se fija con detalle en la pintura, a través de la ventana de la izquierda vislumbrará el Grote Markt de la ciudad durante la construcción del ayuntamiento.
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| Jesús |
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| Bendiciendo el pan |
Posteriormente, en los siglos XVIII y XIX, la gente perdió el interés por las pinturas flamencas del siglo XV y comenzó a deshacerse de estas obras; en Lovaina vendieron los paneles laterales de este tríptico y solo conservaron el panel central. Fueron adquiridos por un anticuario en Bruselas y acabaron en algún lugar de Alemania. Después del Tratado de Versalles, los paneles fueron devueltos a Bélgica, junto con el Retablo de Gante, como reparación de la guerra. Como curiosidad, mientras el panel central sigue siendo propiedad de la ciudad de Lovaina, los paneles exteriores son propiedad del estado belga.
Hugo van der Goes (1425-1482)
Ejerció en la ciudad de Gante, y sigue la línea de Van der Weyden, de mostrar el sufrimiento en las escenas religiosas, a lo que añade el uso de personajes vulgares y rudos para aumenta el naturalismo.
Tríptico de la Adoración de los pastores o Tríptico Portinari (1474-1478)
En él Tríptico de la Adoración de los pastores o Tríptico Portinari (1474-1478), un encargo del representante de los Medici en Brujas y llevado a Italia posteriormente. En la zona central se ve la Adoración en las ruinas de un palacio, con un paisaje montañosos detrás, en medio el niño recién nacido irradia luz, que asombra a unos pastores reflejados como hombres rudos y sucios, pero que transmiten emoción por el nacimiento.
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| Tríptico de la Adoración de los pastores |
En el centro se encuentra la figura de la Virgen María, con un rostro sereno y vestida con un manto azul oscuro, adorando al recién nacido Jesús, quien yace desnudo en el suelo. Esta escena se basa en las Revelaciones de Santa Brígida de Suecia y muestra la adoración simultánea de la Virgen, los pastores y los magos.
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| Adoración de los Pastores |
En los paneles laterales del Tríptico, se observa un bodegón lleno de simbolismo. Un jarrón de cerámica azul y blanca, posiblemente de Manises, contiene lirios de diferentes colores que simbolizan la pureza de la Virgen, su sufrimiento y la Pasión de su hijo. Otro jarrón de cristal sostiene campanillas y aguileñas, símbolos de la naturaleza humana de Jesús. Detrás de estos elementos, un haz de trigo hace referencia al significado de Belén como «Casa del Pan«. Una columna central sugiere la futura Flagelación. Además, se representan a José y María con una sensación de serenidad por haber cumplido su destino. Los ángeles presentes aportan solemnidad vistiendo prendas litúrgicas y están representados a menor escala que el resto de las figuras.
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| Laterales de la Adoración de los Pastores |
En el fondo a la derecha, se muestra a los pastores de manera realista, con rasgos campesinos y expresiones de alegría y asombro, junto a un paisaje invernal con escenas adicionales que incluyen el Anuncio a los pastores y figuras caminando cerca de la casa del rey David, aludiendo a la genealogía de Jesús.
En las alas laterales, se representan a los comitentes de la obra junto a sus santos patronos en una escala menor que las figuras santas, siguiendo la jerarquía medieval. En el panel izquierdo, se muestra a Portinari y sus hijos Antonio y Pigello junto a los santos Antonio y Tomás, patrones del hospital y del comitente respectivamente, cada uno con sus atributos distintivos.
Detrás se colocan sus santas protectoras: una elegante Santa María Magdalena, identificada por portar el tarro de ungüentos, y Santa Margarita de Antioquía, patrona de los buenos partos y de la parroquia de la familia en Brujas, cuyos atributos son una pequeña cruz, un libro y la cabeza de un dragón vencido a sus pies.
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| Escena del Camino de Belén en el paisaje del fondo |
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| Santa Margarita y Cortejo de los Reyes Magos al fondo |
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| Adoración de los Reyes Magos |
Los Reyes Magos y sus seguidores se encuentran con la Virgen, el Santo Niño y José en medio de las ruinas de un palacio. Un grupo de aldeanos observa esta extraordinaria escena a través de un hueco en la pared. Las figuras, tanto de actores como de testigos, se muestran todas a la misma escala, ya sean humildes o magníficas. No son reticentes ni exaltados, sino que reaccionan ante el acontecimiento de diversas maneras, sorprendidos o cohibidos. Al fondo podemos ver unas cuantas mujeres, unas casitas y un río al lado del cual esperan los caballos de los Reyes. En primer plano, las flores simbólicas, el lirio y la aguileña, y una vasija de cerámica están representadas con gran cuidado. Una diminuta ardilla corre a lo largo de una de las vigas sobre la abertura a través de la cual los aldeanos observan la escena. Van der Goes ha dado rienda suelta a su imaginación
Hacia finales del siglo XV: Hans Memling, Gérard David y El Bosco
Hans Memling (1435-1494)
A pesar de su origen alemán, llevará a cabo su carrera en Brujas. Formado con Van der Weyden, será el pintor preferido por los donantes que querían ser retratados, tanto en solitario, como e dípticos junto a la Virgen. No reflejará tanto el dramatismo como su maestro, pero realizará obras de carácter completo, como la Pasión de Cristo, de 1470, donde refleja en un cuadro de pequeños tamaño todas las fases de la Pasión, con la entrada triunfal en el extremo superior izquierdo y la crucifixión en la derecha, en un conjunto de edificios abiertos que muestran las escenas intermedias.
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| Pasión de Cristo. 1470. Hans Menling |
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| Retrato de hombre orante, 1485 |
Gérard David (1455-1523)
Será el pintor a la cabeza de la entrada del siglo XVI y que cierra el gran siglo de la pintura flamenca. Aunque se forma en Países Bajos, llevará a cabo su carrera en Brujas.Conseguirá aunar la pintura flamenca con las formas suaves italianas, y su estilo abrirá el camino hacia las formas renacentistas. El Tríptico del Bautismo de Cristo es una de sus mejores obras,en una escena donde prima la naturaleza del fondo sobre los personajes idealizados y algo inexpresivos que no parecen tener relación entre sí.
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| Tríptico del Bautismo de Cristo. Gérard David |
El Bosco (1450-1516)
Es una de las grandes referencias de la Historia del Arte, a pesar de tener un estilo diferenciado y situarse en la fase final de la escuela flamenca. Su nombre procede de su ciudad Bois-le-Duc y su obra se basa en un cierto rigorismo religioso que le hace reflejar la lucha entre el bien y el mal y el miedo al infierno.
La Nave de los Locos
En su obra la Nave de los Locos, critica directamente a la herejía, representándola con personajes histriónicos, clérigos corruptos incluidos que se dejan llevar por los pecados y se asemejan al Islam como refleja la media luna. En la Nave de los Locos, vemos a un barco navegando en plena tierra. El mástil es un árbol de Mayo, donde se esconde sibilino el diablo. Ondea una bandera con la luna estampada, el símbolo de la locura. La tripulación está compuesta por bufones, ladrones, borrachos, músicos… La gente trepa, ríe, come y canta, yendo a la deriva, mientras alguno vomita a causa de los excesos.
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| la Nave de los Locos |
Al extremo izquierda de la nave, otro se aguanta al falso timón mientras vomita. Las causas de su malestar pueden tener doble interpretación; pueden ser inducidas por la inquietud que le produce el saber que irá al infierno o bien que se atribuye al simple consumo de alcohol.
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| Nave de los Locos |
Del falso timón brotan tres ramas, y el único fruto que tiene es un pez; alusión al pecado. Sobre la rama podrida descansa uno de los personajes más caracterizado de la escena; el bufón. El bufón da la espalda a los demás invitados del festejo. La vestimenta que lleva, según fuentes, no pertenece a la vestimenta característica de un bufón, sino a la de un loco, ya que lleva un sombrero con orejas de asno mientras que en una mano sostiene un cetro de forma fálica que acaba con la cabeza de un loco.
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| Nave de los Locos |
El hombre que escala el árbol es movido por la avaricia y la glotonería, tiene la intención de llevarse el ave asada.
Gran parte del simbolismo de la obra se condensa en el palo mayor. Este es incapaz de aguantar velas, al igual que el timón de dirigir, y las cucharas que hacen de remos, remar.
Apenas consiguen mantenerse estables. Continuando con el palo mayor, después del ave asada (que en parte hace de bandera de la gula), la bandera por excelencia de la nave ondea justo en su cima. Esta, de color salmón, lleva dibujado una media luna, elemento que puede llevar a diferentes interpretaciones. La más evidente es la atribución de este símbolo al Islam, la embarcación enloquecida lleva por bandera la bandera enemiga, declarada hereje por la Iglesia Católica. También es sabido que se utilizaba la media luna para señalar a los enfermos mentales (tachados como los lunáticos).
Y para terminar, coronando la embarcación, un cráneo descarnado se deja ver de entre las hojas del árbol, es el diablo que espía la tripulación de la nave. Es difícil saber el que realmente representa la calavera, o si realmente, como dicen algunas fuentes, se trata de un búho, signo de la sabiduría y de la muerte. Pero bien seguro alerta el destino de los navegantes, su muerte se acerca, a bordo de una nave que va a la deriva, como dice la obra literária de Sebastian Brandt con la que El Bosco se inspirará para crear esta pieza.
El jardín de las Delicias
En El jardín de las Delicias, quizás su obra más reconocida, pinta un tríptico con el Paraíso a la izquierda, la tierra en el centro y el infierno a la derecha, mientras que en la grisalla (parte visible cuando está cerrado) aparece la creación del mundo. En el paraíso Dios entrega a Adán a la mujer, Eva, que será el inicio del pecado de la lujuria y refleja la perdición moral que supone la mujer
Cuando el tríptico está cerrado, podemos ver la representación del tercer día de la creación en grisalla, técnica pictórica en la que se usa un solo color para evocar los volúmenes propios del relieve. Según el relato del Génesis, referencia fundamental en tiempos de El Bosco, Dios creó la vegetación sobre la Tierra al tercer día. El pintor representa, pues, la tierra colmada de vegetación.
Dios observa desde lo alto (esquina superior izquierda), en un momento que parecería ser, más bien, el amanecer del cuarto día. Dios creador lleva una corona y un libro abierto en sus manos, las escrituras, que pronto se harán vida.
En cada lado del tablero, se puede leer una inscripción en latín del salmo 148, versículo 5. En el lado izquierdo reza: «Ipse dixit et facta sunt», que quiere decir 'Él mismo lo dijo y todo fue hecho'. En el lado derecho, «Ipse mandavit et creata sunt», que se traduce como 'Él mismo lo ordenó y todo fue creado'.
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| El jardín de las Delicias |
- Panel Izquierdo
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| Panel izquierdo Jardín de las Delicias |
- Parte Central
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| Panel Central Jardín de las Delicias |
- Panel Derecho
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| Panel derecho Jardín de las Delicias |
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| Los Siete pecados capitales |
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