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viernes, 28 de noviembre de 2014

LA TELEVISIÓN DE LOS CONFLICTOS MODERNOS Y LOS JUEGOS DEL HAMBRE


Los formatos de telerrealidad, es decir, los episodios televisivos donde se graba lo que les ocurre a personas reales son un género con mucha polémica. Para muchos, son programas muy completos que combinan aspectos lúcidos con otros de tipo informativo y educativo. Para otros, estos programas se basan en el sensacionalismo.

Los primeros formatos aparecieron en Estados Unidos en los años 50 y se asentaron a partir de la década de los 70, transmitiéndose al resto del mundo.

Sin embargo, el concepto no es tan moderno: ya hay claros ejemplos de shows en la antigüedad. El espectáculo siempre ha existido y siempre existirá.


El circo romano 

El circo romano tuvo su origen en los antiguos ritos etruscos donde se sacrificaba a un prisionero sobre la tumba de un héroe caído en combate. tiempo después, se sustituyó el sacrificio por los combates de gladiadores.

Los juegos comenzaron a celebrarse en honor a Júpiter, en Roma a partir del 390 a.C y tenían una duración de 16 días. Era una obligación asistir a los juegos con la cabeza descubierta " en señal de respeto" a quienes daban su vida en la arena.

En la Antigua Roma, cualquier ritual que se acompañara de sangre tenía una connotación casi profética. Por ejemplo, cuando se practicaba el rito de «maldecir» a un enemigo, estos rezos se culminaban con el sacrificio de un animal; entre más grande y más costoso fuera éste, mayor era el tributo al dios invocado —por lo regular Némesis, a quien los romanos llamaban Envidia— y la efectividad de este conjuro. Del mismo modo, la sangre derramada de los gladiadores era un tributo para «apaciguar el espíritu de los muertos».

A partir del 212 a.C., los juegos se instituyeron en honor de Apolo —ludi apollinares— entre el 6 y el 12 de julio y, desde entonces, cada tanto fueron intercalándose las deidades a quienes estaban dedicados: Cibeles, Floralia, incluidas las infernales como Dis Pater y Proserpina, entre otros. En las principales provincias romanas se replicaban estos juegos entre los meses de febrero y julio; no se volvían a reanudar sino hasta la última semana de noviembre.
Con el tiempo, los juegos se empezaron a organizar para festejos y celebraciones personales, o como parte de las «campañas políticas» de tribunos y senadores para ganarse adeptos y la aprobación de la gente que decían representar; eran la ocasión ideal para que los personajes públicos midieran su popularidad entre la plebe: ésta los alababa o insultaba sin el menor recato. Mucha gente apartaba su lugar en los juegos desde la madrugada, y no se movía de ahí hasta que éstos comenzaran, muchas horas después —algo similar a lo que pasa hoy con quienes «acampan» afuera de un estadio antes de que dé inicio un concierto o una final de fútbol—: ahí comían e incluso hacían sus necesidades con tal de no perder su sitio.

Los Juegos del Hambre: el circo romano moderno

Las novelas de Suzanne Collins son un claro ejemplo de la cobertura técnica y televisiva que se otorga a estos espectáculos de telerrealidad. Inspirado en las experiencias de su escritora y algunos relatos de la mitología griega, Los juegos del hambre tratan temas como la pobreza extrema y el hambre.

Katniss Everdeen, la narradora de la historia, cuenta la historia de un Capitolio dominante y 12 maltratados distritos de la nación de Panem. Cada año, cada distrito es forzado a enviar un niño y una niña, llamados tributos, para pelear a muerte en los Juegos del Hambre anuales.

El Capitolio ( los vencedores)  nunca deja que la gente olvide que la rebelión fue la razón de por la qué los Juegos del Hambre fueron inventados. La televisión de este nuevo circo romano sirve como una herramienta de coacción para evitar que los pueblos se rebelen contra el poder establecido. Al igual que le circo romano, los juegos son un espectáculo que adormece a las masas e impide que se organicen contra aquellos que los oprimen y les esclavizan: Como en el antiguo Imperio Romano, la arena de combate es un estadio creado para el propio espectáculo de muerte, aunque aquí la plaza no sea de tierra y sangre, sino un escenario cercano al concepto contemporáneo de lo espectacular.

Todo régimen del miedo hace uso del espectáculo como herramienta de control del pueblo. Inspirados en Musolinni, el primer dictador que utilizó el deporte como forma de superioridad moral de la raza frente a otros pueblos; las diversas dictaduras y sistemas democráticos han seguido su ejemplo y se han servido de los Medios de Comunicación para deshumanizar los diferentes conflictos humanos que ocurren el planeta. La cobertura televisiva de las dos Guerras del Golfo o la de la Guerra de Vietnam son claros ejemplos del poder de las imágenes y los medios de comunicación
(aunque luego puedan volverse en contra de los gobiernos, como en el caso de Vietnam).

Esta deshumanización de los conflictos es clave para el control de las masas. La arena de combate ha sido sustituida por los canales de televisión, donde sus protagonistas están alejados del público quien les observa cómo algo ajeno a su vida cotidiana.

La parábola es terrible. La falta de respuesta de la sociedad civil ante una situación dramática queda reflejada perfectamente en las películas y novelas. Nos hemos acostumbrado tanto a la muerte y a la guerra que nos parece algo cotidiano y normal y carecemos de los mecanismos necesarios para reaccionar debido a la sobresaturación de información y desinformación y a la falta y voluntad de organización para revertir esta situación.

Necesitamos crear las herramientas necesarias para reaccionar ante tanto circo mediático y sensacionalismo. Y la única forma de hacerlo es a través de la concienciación, la reflexión y la rebeldía. La rebeldía no es ni más ni menos que el posicionamiento con otros valores y la decisión de hacerles frente. Rebeldía intelectual porque entiendo que existe otra manera de ver el mundo y de humanizarlo, rebeldía porque me niego a aceptar la realidad que me venden los  medios de comunicación, rebeldía porque sé que detrás de cada tragedia existe una historia humana que merece ser relatada y dada a conocer a la opinión pública.


viernes, 21 de noviembre de 2014

UNA EXTRAÑA HISTORIA

Desde la ventana de mi habitación, veo el atardecer. Los últimos rayos del sol lamen las paredes, dejando luces anaranjadas que hacen relumbrar los ladrillos mientras el astro parece hundirse en el horizonte devorado por el mar.
El cielo parece llorar lágrimas de ámbar a medida que la oscuridad toma protagonismo y elimina a su eterno rival.
Las gaviotas surcan el cielo, fundiéndose con la luz, hasta parecer meras luces blancas fugaces que emiten sonidos que anuncian la llegada de la dama de la oscuridad.
El viento agita mansamente los árboles, iniciando un baile de hojas que toma un protagonismo cada vez mayor, mientras los ecos de las voces de turistas y veraneantes se apagan y dan protagonismo al infinito y frío silencio, que se expande por todos los caminos y el paseo marítimo, donde el mar mueve los barcos, ya dormidos después de un día de faena.
Si no fuera por el sentimiento que me provoca, creería estar en el Paraíso, en un Edén dorado.
Este sentimiento lo llamo MUERTE.
Esta mañana nos despertamos con una nueva: Padre había muerto. Después de dos años luchando contra el cáncer, dobló rodillas y aceptó la sumisión. Madre manaba grandes perlas plateadas que formaban un charco en el suelo mientras Carol, mi hermana, emitía lúgubres sollozos; yo, por mi parte, mantenía el semblante serio, casi inmutable, mientras notaba como el corazón latía violentamente en mi interior. Podría decirse que manaba sangre en cada lágrima, pues siempre es peor guardar el dolor que dejar que se manifieste al exterior.
Padre siempre había sido bueno conmigo. Recuerdo haber pasado mucho tiempo con él paseando por el campo mientras me explicaba todas las plantas que veíamos, sus historias de cómo se infiltraba en los burdeles cuando era joven y acababa recibiendo una paliza de su padre cuando lo pillaba, de sus estudios en un colegio de monjas donde gastaba bromas a las hermanas… pero sobre todo la luz de su blanca sonrisa y sus ojos de color azul.
El cielo es devorado lentamente por voraces nubarrones. La luz parece débil, como si estuviera encarcelada en una prisión de oscuridad, donde los barrotes son fieros rayos con truenos como lamentos de los presos al saber que ya llega la hora de su ajusticiamiento.
Empieza a llover. Dagas plateadas se ciernen sobre nosotros, acuchillando el manto de luz, mientras se forman pequeños charcos en el suelo, donde miles de imágenes y recuerdos quedan plasmados en esta sopa de antaño. Amigos, familia, conocidos… todos surgen a la vez en borrosas imágenes. A mi mente llegan pequeños fragmentos de las obras de Manrique:
Recuerde el alma dormida,
avive el seso e despierte
  contemplando
cómo se passa la vida,
cómo se viene la muerte
  tan callando;
  cuán presto se va el plazer,
cómo, después de acordado,
  da dolor;
cómo, a nuestro parescer,
cualquiere tiempo passado
  fue mejor.
Desde nuestra más tierna infancia, nos han enseñado que todo tiene un principio y un final. Nada se libra de este cruel destino: humanos, animales… la propia naturaleza es, en si misma, un ciclo eterno de nacimiento y muerte.
Padre decía siempre que la muerte no era sino otro camino que debía recorrer todo el mundo. La muerte es la continuación de la vida. Unos creen en un paraíso, un mundo mejor que el nuestro donde habitamos, donde encontrarán delicias y placeres; otros, en un mundo oscuro, tenebroso, lleno de recuerdos fugaces; otros creen en la vuelta de sus cuerpos a la naturaleza de la diosa Tierra…para mí, sin embargo, lo considero un camino de reencuentros con uno mismo: la verdadera sabiduría sobre el por qué de la vida es la muerte, pues todo tiene un anverso y un reverso que tenemos que realizar.
Me levanto. Fijo otra vez mi mirada en el horizonte. Una lágrima surca mi cara hasta caer en el suelo. Me limpio la mejilla con un pañuelo. Me voy a la calle.

Casablanca

Introducción

Casablanca (1942) es una película estadounidense dirigida por Michael Curtiz. Narra una historia romántica en la ciudad marroquí de Casablanca bajo el control del gobierno de Vichy. La película, basada en la obra teatral Todos vienen al Café de Rick (Everybody Comes to Rick's) de Murray Burnett y Joan Alison, está protagonizada por Humphrey Bogart en el papel de Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund. El desarrollo de la película se centra en el conflicto de Rick entre —usando las palabras de uno de los personajes— el amor y la virtud: Rick deberá escoger entre su amada Ilsa o hacer lo correcto. Su dilema es ayudarla o no a escapar de Casablanca junto a su esposo, uno de los líderes de la resistencia, para que éste pueda continuar su lucha contra los nazis.

Es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía norteamericana, ganadora de varios premios Óscar, incluyendo el de mejor película en 1943. En su tiempo el filme tenía todo para destacar ampliamente, con actores renombrados y guionistas notables, sin embargo ninguno de los involucrados en su producción esperaba que éste pudiese ser algo fuera de lo normal. Se trataba simplemente de una de las docenas de producciones anuales de la maquinaria hollywoodense. Casablanca tuvo un inicio sólido pero no espectacular y, sin embargo, fue ganando popularidad a medida que pasó el tiempo y se fue colocando siempre entre los primeros lugares de las listas de mejores películas. La crítica ha alabado las actuaciones carismáticas de Bogart y Bergman y la química entre ellos, así como la profundidad de las caracterizaciones, la intensidad de la dirección, el ingenio del guión y el impacto emocional de la obra en su conjunto.


Producción

Casablanca se basa en Todos vienen al Café de Rick (Everybody Comes to Rick's) de Murray Burnett y Joan Alison, una obra teatral que nunca fue puesta en escena. Cuando el especialista en análisis literario de la Warner Brothers, Stephen Karnot, leyó la obra, la calificó como una «tontería sofisticada», no obstante le dio el visto bueno. Enseguida la editora encargada de los guiones, Irene Diamond, convenció al productor Hal Wallis para que comprara los derechos por $20,000, el precio más alto jamás pagado por una obra teatral que no hubiese sido puesta en escena. El proyecto de cine rebautizó la obra como Casablanca, quizás intentando imitar el éxito de la película de 1938 Argel. Así pues, el rodaje comenzó el 25 de mayo de 1942 y finalizó el 3 de agosto del mismo año alcanzando un costo de producción de $1,039,000 ($75,000 por encima del presupuesto). El costo no fue excepcionalmente alto, pero sí superior al promedio de su tiempo.

La película se rodó completamente en estudios, excepto una secuencia en la que se muestra la llegada del mayor Strasser, que se realizó en el Aeropuerto Van Nuys. La escenografía de la calle que fue usada para las escenas del exterior había sido recientemente construida para otro filme, The Desert Song, y tuvo que ser redecorada para los flashbacks de París. Dicho escenario permaneció en los almacenes de la Warner hasta la década de los 60. Por su parte, el set para el Café de Rick fue construido en tres partes inconexas, por lo que no se podría determinar en trazado lo que sería su planta. De hecho, en una escena se hace pasar a la cámara a través de una pared desde el área del café hacia el interior de la oficina de Rick. El fondo de la escena final, el cual muestra un avión pequeño modelo L-12 Electra Junior de la compañía Lockheed con personal caminando alrededor, fue armado usando extras de baja estatura y un avión de cartón dibujado a escala. Se usó humo, simulando neblina, para cubrir la apariencia poco convincente del modelo. El crítico de cine Roger Ebert calificó a Wallis como la "clave del equipo creativo" por la atención que puso a los detalles de producción (hasta el punto de haber insistido en tener un loro de verdad en el Bar del Loro Azul, Blue Parros Bar, en inglés).

Por otra parte, la estatura de la actriz Ingrid Bergman causó algunos problemas. Bergman sobrepasaba por casi cinco centímetros a Bogart, por lo que el director Curtiz tuvo que elevar al actor sobre ladrillos o sentarlo sobre cojines en las escenas en las que aparecían juntos.[21]

Los contratiempos alcanzaron al productor Hal B. Wallis cuando decidió, tras haber terminado el rodaje, que la línea final de la película sería: «Louis, pienso que éste es el comienzo de una bella amistad» ("Louis, I think this is the beginning of a beautiful friendship," en inglés). Bogart tuvo que ser llamado un mes después de finalizada la filmación para doblar la frase.

Más tarde se pensó en introducir una escena que mostrara a Rick y Renault junto a un destacamento de soldados franceses libres, en un barco, alistándose para incorporarse a la invasión de 1942 a África del Norte por parte de las tropas Aliadas. Sin embargo, resultó muy difícil conseguir al actor Claude Rains para la filmación, y la idea fue definitivamente abandonada cuando otro productor, David O. Selznick, señaló que «sería un error tremendo cambiar el final».






Guión

La obra de teatro original se inspiró en el viaje a Europa que hizo Murray Burnett en 1938, viaje durante el cual pudo visitar Viena justo antes del Anschluss. Murray visitó también la costa sur de Francia en la cual coexistían, no sin dificultad, asentamientos de nazis y refugiados. Los locales nocturnos de la zona inspiraron, pues, tanto el Café de Rick (especialmente uno llamado «Le Kat Ferrat») como el carácter del personaje Sam, el pianista (basado en un pianista negro que Burnett vio en Juan-les-Pins). En la obra teatral, el personaje de Ilsa era una estadounidense llamada Lois Meredith y no encontraba a Laszlo sino hasta después de que su relación parisina con Rick había terminado. Además, en la obra de teatro el personaje de Rick era un abogado.

Los primeros escritores principales en trabajar en el guión fueron los gemelos Epstein, Julius y Philip, quienes eliminaron el trasfondo del personaje Rick y aumentaron los elementos de comedia. Después intervino el otro escritor reconocido en los créditos, Howard Koch, pero trabajando en paralelo con ellos y haciendo énfasis en otros aspectos. Koch resaltó los elementos políticos y melodramáticos. Según parece, fue el director Curtiz quien favoreció las partes románticas, al insistir en que permanecieran los flashbacks hacia París. Aún a pesar del gran número de escritores involucrados, el filme tiene eso que Ebert describió como un guión de «maravillosa unidad y consistencia». Más tarde Koch afirmaría que fue la tensión que hubo entre su propia visión y la de Curtiz la que motivó que «sorpresivamente, estos acercamientos desparejos de alguna manera se ligaron, y quizá eso fue debido en parte a este tire y afloje entre Curtiz y yo, que le dio a la película un cierto balance». Julius Epstein anotaría posteriormente que el guión contenía «más maíz que en los Estados de Kansas y Iowa juntos. Pero cuando el maíz sirve, no hay nada mejor». La palabra inglesa original, corn ("maíz") también se refiere, en el slang, a un tipo de humor tonto, gastado, banal y sentimental.

El filme se topó con algunos problemas cuando Joseph Breen, miembro del cuerpo de auto-censura de la industria hollywoodense (el Production Code Administration), expresó su oposición a que el personaje del Capitán Renault solicitara favores sexuales a cambio de visados y a que los personajes de Rick e Ilsa hubieran dormido juntos en París. Ambos puntos, de todos modos, permanecieron en forma implícita en la versión final.




Dirección

La primera opción del productor, Hal Wallis, para dirigir la película fue William Wyler, pero como no estaba disponible Wallis decidió escoger, tras barajar varios nombres, a su amigo, el director Michael Curtiz. Curtiz era un judío emigrante de origen húngaro, que había llegado a los Estados Unidos en la década de los 20 y que contaba entre sus familiares a refugiados provenientes de la Europa Nazi. A decir de Roger Ebert, en Casablanca «muy pocas escenas son memorables en cuanto tales...», Curtiz se estuvo preocupando de usar las imágenes para contar una historia más que de usarlas por sí mismas.

De cualquier manera, el director tuvo poca influencia en el desarrollo de la trama: de acuerdo con Casey Robinson, Curtiz «no sabía nada de nada acerca de la historia... él veía imágenes y tú proporcionabas la historia». El crítico Andrew Sarris calificó la película como «la más decisiva excepción a la teoría del autor», a quien Aljean Harmetz replicó que «casi todas las películas de la Warner Bros. fueron una excepción a la teoría del autor». Sin embargo, otros críticos le dan mayor crédito a Curtiz; Sidney Rosenzweig, en su estudio sobre el trabajo del director, aprecia en el filme un ejemplo típico del modo en que Curtiz resalta los dilemas morales.

Los montajes de la segunda unidad, tales como la secuencia de apertura del tren de refugiados y la que muestra la invasión de Francia, fueron dirigidos por Don Siegel.

Casablanca y la propaganda


El largometraje se empezó a gestar tras el bombardeo de Pearl Harbor, ocurrido el 7 de diciembre de 1941. Dada la importancia del cine de Hollywood como arma de propaganda, los gobernantes americanos creyeron necesario justificar la entrada de Estados Unidos en la guerra, así como elevar la moral de la población, a través de esta herramienta. De esta forma Casablanca, aparte de narrar una de las historias de amor más famosas de la historia del cine, tiene un carácter propagandístico que se desarrolla con sutileza a lo largo de todo el film.


El mensaje de propaganda comienza desde la primera escena, en la que una voz en off pone en situación al espectador. Tras la ocupación alemana del país galo llegan a Casablanca miles de refugiados para intentar llegar a Lisboa y, de allí, a Estados Unidos. Rick Blaine (Humphrey Bogart) es un americano que regenta un café en la ciudad marroquí al que acuden desde mandatarios nazis hasta refugiados europeos. Hasta el Rick’s Café llega buscando su última esperanza Victor Laszlo (Paul Henreid), un héroe de la resistencia gala que está siendo buscado por la Gestapo. Le acompaña su mujer Ilsa Lund (Ingrid Bergman), una antigua amante de Rick. Éste tendrá que elegir entre una vida cómoda con la mujer que quiere o luchar contra las injusticias y permitir que la pareja llegue a Estados Unidos.

El mensaje de esta escena se centra en explicar cómo la gente huye de la guerra buscando llegar a Estados Unidos. Es decir, se refleja al país americano como la tierra de la salvación, mientras que los países que han caído bajo el dominio nazi serían poco más que el infierno. Este reflejo de América como el país de las libertades, la tierra prometida en la que encontrar la paz y un futuro, continuará durante toda la película.

En las diversas escenas en las que aparece el Rick’s Café también se muestran las consecuencias de la guerra. Es el centro de reunión de todo tipo de víctimas de la guerra. Refugiados de Centroeuropa. Búlgaros en busca de ayuda para salir del país, banqueros holandeses cuyo dinero ya no vale. Personas que hacen negocio de la guerra. En resumen, nos describe como el fascismo ha traído la desolación, la degradación y la corrupción a una  Europa derrotada.La única salida para todos ellos, el paraíso, se encuentra al otro lado del Atlántico.

También en la caracterización de los personajes se observan elementos de propaganda. Por ejemplo, el mayor Strasser (Conrad Veidt) es la viva caricatura del enemigo. Representa al típico nazi que odia todo lo que no sea alemán. Es un hombre sin escrúpulos, que siente desprecio por la vida con el único objetivo de que todos los pueblos queden sometidos por el III Reich. Su muerte a manos del americano Rick, erige a este como un héroe y es una clara metáfora de como Estados Unidos es capaz de vencer a Alemania.

Renault, el oficial, representa la ambivalencia del gobierno de Petain Francia, “Cumplimos nuestras promesas igual que la de los otros” reza una pancarta nada más comenzar la película. Renault se humilla ante los ocupantes alemanes, por conveniencia, el lo denomina “adaptación”  a pesar de que el pueblo francés es un pueblo lleno de orgullo y patriotismo, tal como aparece en la escena del bar de Ricks donde La Marsellesa conmociona a todos los asistentes.


Una de las escenas más poderosas del film, en la que también está presente el mensaje propagandístico, es la que se canta el himno francés. Mientras Victor Laszlo y Rick Blaine hablan en el piso superior, en el local un grupo de oficiales alemanes comienzan a cantar el himno nazi. En ese momento Rick, indignado ante tal hecho, baja al bar y ordena a la banda que toque La Marsellaise, y empieza a cantar. Inmediatamente, el resto de personas se le unen, acallando los intentos de los nazis por imponerse. Finalmente, los oficiales no tienen otro remedio más que sentarse y la gente estalla en gritos de Vive la France! Vive la liberté!

El mensaje en esta escena está claro: el pueblo unido es capaz de derrotar a cualquier totalitarismo, por muy poderoso que éste sea.

Nacido el 4 de Julio (Oliver Stone, 1989)

Oliver Stone siempre ha sido un director marcado por la crítica política y los hechos históricos de su país. Además de en esta película también mostró la guerra de Vietnam en Platoon (1986) y El cielo y la tierra (Heaven & Earth, 1993) y hechos históricos como el asesinato de Kennedy en JFK (1991) o el ataque a las torres gemelas en World Trade Center (2003).

ESTADOS UNIDOS Y LA GUERRA DE VIETNAM

La Guerra de Vietnam fue el último conflicto bélico donde el ejército estadounidense permitió total libertad de prensa: sin embargo, esa libertad de la que gozaban los periodistas se convirtió en un problema para los políticos, que habían vendido la guerra como una cruzada contra el comunismo, cuando la opinión pública estadounidenseobservaba que la guerra de verdad poco tenía que ver con heroicidades y mucho con la peor de las miserias humanas: a diferencia de las guerras actuales, las cuales se han convertido en un elemento propagandístico más de los Estados Unidos ( las dos Guerras del Golfo, la invasión en Libia…), Despachos de Guerra humaniza un conflicto, transmitiendo las verdades de los soldados, la situación en el frente de batalla, dotando a la obra de verosimilitud, verosimilitud que ha desaparecido con la cobertura mediática de las actuales guerras, en las que se observa la doble moral del lenguaje bautizando como “guerras humanitarias” a invasiones de la OTAN o Estados Unidos o utilizando la palabra “pacificación de los conflictos”, palabra que siempre ha sido la máscara de las guerras imperialistas.
En Vietnam, los militares dejaron manos libres a la prensa, como había ocurrido en aquel período entre 1865 y 1914, hasta la Primera Guerra Mundial, conocido como la edad de oro del corresponsal de guerra. Con la Segunda Guerra Mundial llegarían la estrecha censura y el alejamiento del periodista de los frentes. Pero esa niebla se levantaría en Vietnam y tanta libertad pasó su factura: Podía dejarte que siguieras pensando que todos nosotros éramos valerosos, ingeniosos, apuestos y vagamente trágicos, que éramos una especie de grupo sin igual, un comando supercojonudo, los Peligrosos Chi, amantes del peligro, sabios y sensibles. Podría haberlo utilizado yo mismo, la película habría sido mucho más vistosa, pero habría que aclarar bien lo que significaba este “nosotros”.
Michael Herr cuenta en su libro que los soldados hablaban de lo poco que les gustaba la “película” de Vietnam. Criados en una cultura de cine y televisión, machacados durante años por películas bélicas, algunos de ellos, aun después de las primeras escaramuzas, se lo montaban de tal manera que actuaban ante las cámaras. Hasta el propio Herr reconoce que en sus primeros combates no se sintió especialmente mal. Era las mismas cosas que había visto en televisión, trasladadas a otro medio. Luego se dio cuenta que había escenas sin cortes ni montajes, y que los muertos no eran actores.


LA GUERRA DE VIETNAM Y EL CINE

Durante el conflicto entre Estados Unidos y Vietnam, en la década de los 70, periodistas, cronistas y fotógrafos fueron enviados a cubrir los hechos de la guerra con la intención de informar lo que ocurrió durante el conflicto. Lo que hoy conocemos de ese período es gracias a ellos y a las icónicas fotografías en la que captaron la tragedia. Así como las historias que el cine representó en la gran pantalla para mostrarle al mundo los horrores de estos acontecimientos. 

La Guerra de Vietnam fue con toda seguridad el acontecimiento más traumático de la joven historia de los Estados Unidos de América, exceptuando la Guerra Civil acaecida en la segunda mitad del siglo XIX.

La Guerra de Vietnam es sin duda un acontecimiento clave para entender la segunda mitad del siglo XX y la Guerra Fría; pero también la percepción de la guerra en la sociedad e incluso las técnicas utilizadas por los ejércitos, porque, si cambiamos la jungla por el desierto, conflictos como el de Afganistán, con un enemigo confuso y casi invisible, nos recuerdan aquellos años en los que los soldados norteamericanos se perdían entre la maleza sin saber de dónde saldría el disparo fatal. 

La guerra de Vietnam fue un conflicto sin precedentes que, por las implicaciones políticas de su desarrollo, involucró a todo el mundo. Sus consecuencias van más allá de las puramente bélicas —varios millones de muertos—, y tuvo un impacto significativo en las economías de los países participantes, en el medioambiente e incluso en temas sociales, provocando protestas y movimientos pacifistas en diferentes territorios. En este post te hemos explicado cuáles son algunas de las consecuencias de la guerra de Vietnam para que puedas valorar el alcance de este conflicto, que se recuerda como uno de los más importantes del siglo XX y que afectó a una gran parte de la sociedad de la zona, sobre todo a civiles que perdieron la vida o que tuvieron que desplazarse dentro de su país o fuera de sus fronteras para buscar una oportunidad mejor.

Estos son algunos datos de interés:
  • Se calcula que en la contienda murieron casi 1.200.000 soldados de Estados Unidos, Vietnam y también de otros países como Corea del Sur.
  • Además, perdieron la vida muchos civiles. Se estima que podrían haber muerto de 2 a 6 millones de personas en total durante los 20 años que duró el conflicto.
  • Más de un millón de personas huyeron de Vietnam del Sur entre 1975 y 1989.
  • El antiguo Vietnam del Norte perdió el 70% de su infraestructura industrial y de transportes, 3.000 escuelas, 15 centros universitarios y 10 hospitales.
  • En Estados Unidos se dio el denominado síndrome de Vietnam, por el cual el país perdió su espíritu de nación unida y vencedora.
  • Miles de soldados sufrieron graves secuelas y quedaron parapléjicos, con discapacidades o con serios trastornos mentales a causa de esta guerra.
  • Estados Unidos usó un agente naranja herbicida para devastar grandes extensiones de selva, por lo que el impacto en el medioambiente fue enorme.
  • Este agente naranja afectó a la salud de la población local y de los soldados de ambos bandos, que padecieron graves efectos secundarios.
  • Existe una gran extensión de zonas minadas, lo que afecta negativamente a la agricultura del país y, por lo tanto, a su economía.
  • Está considerado el primer conflicto televisado de la historia, pues se le dio mucha importancia en todos los medios de comunicación
LA GUERRA Y EL CAPITALISMO

Vivimos rodeados de violencia y de conflictos. Nuestra propia existencia es un conflicto ( aunque no sea armado). Sin embargo como comunista y humanista, no puedo defender las guerras porque siempre son por los mismos motivos. económicos, hegemónicos y egoístas. La amnesia colectiva que sufre la sociedad nos hace olvidar miles de conflictos que ocurren el mundo que parecen distantes gracias a los Medios de comunicación, quienes lo han convertido en un mero espectáculo deshumanizando al hombre y sembrando la indiferencia mientras el silencio imperante de la sociedad se convierte en un cómplice de estas matanzas.

A día de hoy, existen miles de conflictos olvidados y de justificaciones militares donde acudimos a una comedia donde el lenguaje ha sido pervertido a un extremo tal que distinguen con cinismo entre "guerras justas" e incluso "humanitarias" a las intervenciones de la OTAN en Libia, en Kosovo, en Ucrania o en Siria y califican de terrorismo a las guerras de los pobres, a la do los oprimidos como el caso de la guerrilla naxalita en la India.

La propia guerra es una actividad económica, ordinario de la vida. Requiere grandes inversiones, mucha fuerza de trabajo, industrias de vanguardia, financiación a largo plazo… La guerra no se improvisa, sino que necesita una planificación milimetrada que implica gestión económica especializada y recursos materiales tan gigantescos como firme sea la voluntad de victoria.

La guerra constituye un derrame permanente, una fuga de recursos hacia la destrucción –que es lo que en sí mismo significa- que dejan de ir a los destinos que tienen que ver con las auténticas necesidades humanas.

La guerra tiene costes explícitos que están vinculados a la destrucción, a la obtención del armamento y de todo lo que es necesario para llevarla a cabo y también derivados de las nuevas condiciones productivas que genera. Pero actualmente la naturaleza de la guerra ha cambiado y, por tanto, también cambian las relaciones entre ella y la economía.

OLIVER STONE Y LA GUERRA DE VIETNAM

En esta nueva vertiente, pretendía retratar el horror con la claridad de un documental y, al mismo tiempo, se sugería que la errónea concepción de los Estados Unidos respecto a su intervención se encuentra intrínsecamente relacionada con su derrota. «Nacido el 4 de julio» sigue esta línea al igual que otros títulos como «La chaqueta metálica» (Full metal jacket, 1987), de Stanley Kubrick, o «La colina de la hamburguesa» (Hamburger hill, 1987), de John Irvin.

Oliver Stone creó en 1989 una de las más sugestivas e inquietantes reflexiones sobre la guerra y sus secuelas. Nacido el 4 de Julio - 90% se mostró como una pulsión colectiva de una generación ya inquieta y dudosa por sus convenciones nacionalistas. Con una fuerte crítica política y poniendo de relieve el maltrato que sufren los veteranos de guerra. Además, la película le significó a Tom Cruise la oportunidad de demostrar su verdadero rango actoral más allá de su galanura. Co-escrita por el por el propio Ron Kovic quien compartió parte de sus vivencias en el guión, y ambientada en los vísperas de la gran fiesta nacional de Estados Unidos, Nacido el 4 de Julio gira en torno a Kovic (Cruise), un ex soldado que sufrirá las consecuencias físicas y emocionales de guerra de Vietnam lo que lo convertirá en un aguerrido activista anti-guerra y defensor de los derechos humanos una vez que se siente traicionado por el país por el cual luchó.


DIÁLOGO DE LA PELÍCULA

-¿Qué ocurre? ¿estás borracho otra vez?
-Hola mamá
-¡Estás borracho! Gary, nuestro hijo es un alcohólico...deja eso..¡quieres dejar eso! ¡dámelo! ¡tendrás que irte de esta casa!.
-Crees en esto ¿verdad mama?
-¡Aquí no te quiero!
-Tú crees en esto pero yo no. ¡He dejado de creer en Dios! ¡Él solo tuvo que pasar tres días de agonía, yo tengo que cargar con esto el resto de mi vida! ¡Ojalá estuviera muerto como Él!
-¡No sabes lo que dices!
-La cuestión es que no estoy muerto, estoy condenado a vivir. ¿He de vivir atado a esta silla para que os acordéis de Vietnam? ¡No queréis saber nada, os negáis a verlo, nos tenéis ocultos y queréis escondernos porque todo es una mierda! ¡He sido un maldito imbécil!
-No hace caso ni me escucha...
-Ronnie por favor haz lo que te dice tu madre... en esta casa no queremos borrachos...
-Creí todo lo que me decíais...¡Ve a luchar!¡Ve a matar!¡Soy sargento de los marines!¡Pelotón izquierda, derecha, izquierda, derecha, izquierda, derecha! ¡ar! ¡Un atajo de mentiras!¡MENTIRAS!
-¡Basta ya! métete en la cama hasta que se te pase. Pero ¿qué es lo que te han echo en esa guerra? ¿qué te ha ocurrido? necesitas ayuda Ronnie...
-¡Tú eres quien la necesita! ¡tú y tu Dios con tus malditos sueños de grandeza!¡Te avergüenzas de mí!
-...no Tommy, hijos, iros a dormir...vamos iros a la cama...
-¡Que te jodan!
-¡No le hables así a tu madre!
-¿Qué es lo que has dicho? ¿cómo te atreves a decirme eso?
-¡JODEOS!
-¿Quieres que se enteren los vecinos?
-¡Que se enteren! ¡Contádselo todo! ¡Contádselo! A los Cusack, a los Camalleti, a los Wallz...contádselo a todos, contadles lo que me han echo...
-¡Van a llamar a la policía!
-...lo que le han echo a este pueblo, a todo el país....
-¡Cállate o llamarán a la policía!
-Nos enviaron a Vietnam para matar comunistas...¡matamos mujeres y niños!
-No has matado mujeres y niños ¡¡¿¿qué dices??!!
-La iglesia siempre nos dijo que el comunismo era peor que el demonio...
-Eso era lo que decían
-...dijeron que debíamos ir...
-¡Si!¡Eso fue lo que nos dijeron!
-...también dice no matarás, mama...¡no matarás a mujeres y a niños! ¡no matarás! ¿lo recuerdas?
-¡Basta!
-¿No fue eso lo que nos enseñaste? Nos lo enseñaron a todos....
-¡Basta ya! ¡No quiero verte en esta casa! ¡Sal inmediatamente!
-Ron déjalo ya...has dicho lo que querías, ¡déjalo ya!
-¡No! ¡no he terminado todavía! ¡díselo tú papá! ¡allí siguen exterminando gente!
-¡Yo no te obligué a ir!
-¡Sí que me obligaste! ¡Claro que me obligaste! ¡Todo se ha ido al infierno! ¡King, Kennedy, Einstein! ¡Todos hemos perdido esta puta guerra!
-¿No dirás que es por mi culpa?
-El maldito comunismo ha ganado, no sirvió de nada...
-Eso no es cierto Ronnie...
-Maldita sea, tú que sabes...dios...¡díselo tú papá! ¡díselo! ¡Nos engañaron! todo a sido mentira...no existe Dios, está tan muerto como mis piernas, como tampoco existe la patria...no hay nada...solo yo atado a esta puta silla de ruedas...para siempre...estoy solo con este pene muerto...

miércoles, 19 de noviembre de 2014

Fernando Lázaro. “El periodismo sobrevivirá gracias a la especialización y a la firma del periodista”

Fernando Lázaro trabaja en EL MUNDO, periódico al que ha estado vinculado desde sus inicios en diario 16 junto a Pedro J. Ramírez. En su carrera profesional ha tratado temas como las fuerzas Armadas, la corrupción y el terrorismo, creando su propio DNI profesional.

Su labor es la de un  detective en el periodismo de investigación. Los casos de corrupción como el Caso Bárcenas o el Caso Faisán llevan su firma, pero el  caso más importante de su carrera fue el caso de Lasa  y Zabala, el primer acto terrorista realizado por los Grupos Antiterroristas de Liberación (GAL).

Realizando una labor sobre el terreno, recogiendo datos y buscando fuentes el periodismo reivindica su etiqueta de Cuarto Poder como perro guardián de los poderes políticos. A pesar de la revolución digital, el método de investigación periodística sigue siendo el mismo.

El periodismo de investigación exige mayor fiabilidad y rigor: los periodistas sufren mucha presión cuando es un tema relevante, teniendo una relación de máxima confianza con las fuentes.

Las nuevas tecnologías y soportes han obligado a los periodistas a reciclarse y a una mayor especialización en búsqueda y creación de una marca profesional, pero el periodismo siempre perdurará porque los seres humanos tenemos la  imperiosa necesidad de comunicar.

domingo, 16 de noviembre de 2014

MOBY DICK. CÓMO LAS OBSESIONES LLEVAN A NUESTRA PROPIA DESTRUCCIÓN

La literatura es otra forma de conocer el mundo que nos rodea. Nos permite adentrarnos en parajes desconocidos, en culturas milenarias, en la psicología de los personajes... mostrándonos a través de la escritura diversas partes del mundo que nos rodea, los motivos que llevan a la gente a actuar de una u otra manera: A través del poder de la ficción, la literatura consigue persuadir a los lectores y enseñar deleitando.

Un claro ejemplo es Moby Dick de Herman Melville. El autor describe a la perfección el trastorno obsesivo- compulsivo que lleva a las personas ( en casos extremos) a su propia autodestrucción. A través de la ficción, el autor consigue describir un comportamiento psicológico que necesita una atención especial.

El Transtorno obsesivo-compulsivo es un trastorno mental en el cual las personas tienen pensamientos, sentimientos, ideas, sensaciones (obsesiones) o comportamientos repetitivos e indeseables que los impulsan a hacer algo (compulsiones).

Con frecuencia, la persona se comporta de cierta manera para librarse de los pensamientos obsesivos, pero esto sólo brinda alivio temporal. El hecho de no llevar a cabo los rituales obsesivos puede causar una enorme ansiedad y sufrimiento.


La obsesión del capitán Ahab contra la gran ballena blanca representa dicho aspecto psicológico Herman Melville era hijo de un pastor fundamentalista y sentía impulsos hacia personas de su propio sexo. El mismo las consideraba altamente pecaminosas, pero irresistibles. Varios críticos y estudiosos de su obra concuerdan en que el duelo a muerte entre Ahab y la Ballena es una personalización de los impulsos que atormentaban a Melville.

El Capitán Ahab, capitán del Pequod es un hombre sometido y condenado por la maldición de la ballena blanca, Moby Dick. Años atrás,ambos personajes se chocaron en sus caminos y la ballena salió triunfadora del enfrentamiento costándole al capitán una pierna y múltiples lesiones. Pero la más dolorosa herida que la ballena blanca dejará en el capitán Ahab será la herida moral y psicológica, que irá mellándolo con el transcurrir de los años, el deseo de venganza, irreflexiva, llegando a dotar a la ballena de voluntad, personificando el mal en ella y obsesionándose hasta lo irreflexivo con la idea de consumar su venganza y perseguir a la ballena a lo largo y ancho del mundo.

La obra tuvo también como referencia histórica un relato publicado en 1839 por la revista neoyorquina Knickerbocker. Escrito por un oficial de la armada de Estados Unidos, narra el enfrentamiento real de balleneros con un cachalote albino conocido como Mocha Dick cerca de la isla Mocha, en Tirúa (Chile). Como Moby Dick, escapó incontables veces de sus cazadores durante más de cuarenta años, por lo que llevaba varios arpones incrustados en su espalda. Los balleneros contaban que atacaba furiosamente dando resoplidos que formaban una nube a su alrededor; embestía los barcos perforándolos y volcándolos, matando a los marineros que se atrevían a enfrentarlo. Según el marinero que contó la historia publicada en la revista, para lograr matar a Mocha Dick se requirió la unión de distintos barcos balleneros de distintas nacionalidades. Cabe destacar que en Chile, en la cultura indígena mapuche, existe el mito del Trempulcahue, cuatro ballenas que llevan el alma de los mapuches que mueren hasta la isla de Mocha, para embarcarse en su viaje final.

Moby Dick es más una novela psicológica que discurre en paralelo a un detallado tratado sobre la pesca de la ballena que una narración donde la acción articule la trama. Aquí el viaje, la búsqueda, es casi simbólica, es una caída en el abismo interior de la figura misteriosa de Ahab, que Melville dota con el tenebroso atractivo de los grandes personajes de la literatura. El narrador, protagonista de uno de los más famosos inicios de libros con su “Llamadme Ismael…”, nos relata el envolvente desarrollo de la tragedia fraguada en el barco hasta su naufragio, que tiene también una dimensión moral, y del que es el único superviviente.

martes, 11 de noviembre de 2014

LA INFLUENCIA DE LAS SERIES DE TELEVISIÓN EN LA SOCIEDAD

INTRODUCCIÓN

Walt Whittman sostenía que los Medios de Comunicación eran una “ventana al mundo” que servía a la vez como un elemento de de difusión y de conocimiento del mundo y una forma de crear modelos a seguir. Las series de televisión, además de entretener a la audiencia y permitirla desconectar de la abrumadora realidad, han servido para vender el American Way of Life.
La evolución y desarrollo de las series televisivas en España llegó más tarde que en otras partes del mundo, como por ejemplo Estados Unidos, de donde nos llegaron los primeros seriales. Sin embargo, con el despegue de las cadenas privadas, desde los 80 hasta nuestros días se han convertido en un género habitual en todas las cadenas. La proliferación de títulos ha hecho que no todas tuvieran un gran interés y calidad para el público. No obstante, se puede concluir que hoy día es un género consolidado y que las de mayor calidad han pasado a convertirse en referentes televisivos.
La proyección política de la cultura va más allá de las acciones de los ministerios, los gobiernos, la iglesia… las series de los medios de comunicación han sido cauces para la creación de estereotipos y modelos a imitar por la audiencia: las series norteamericanas se han convertido en un referente cultural, no solamente por su entretenimiento, sino por la venta de una forma de vida totalmente distinta a la vivida en la España franquista. En el caso español, la llegada de las series televisivas empezó como un elemento propagandístico más del régimen pasando por un modelo de reivindicación de la cultura censurada por la dictadura hasta la venta de un nuevo modelo de vida.
Las series de los diversos Medios de Comunicación han sido una creación de estereotipos y modelos y la venta de una nueva forma de vida, primero afín a los valores del franquismo y que posteriormente se ha ido adaptando conforme evolucionaba la sociedad española manteniendo viva su esencia: la creación de de una imagen a imitar por los españoles.



LAS SERIES  ESPAÑOLAS DE LOS AÑOS SETENTA

Los años setenta en España son periodo de inflexión política: conforme se acerca la muerte de Franco, el país vive una enorme agitación social, las estructuras del régimen parecen desmoronarse (incluida la censura). Este hecho queda reflejado en las series de televisión, aunque las series eran mayoritariamente costumbristas o adaptaciones de novelas del siglo XIX.

Las series de televisión se convierten en una forma de burlar la censura. A través del entretenimiento y del poder de la televisión, las series se transforman en una canal de denuncia social bien recibido por la audiencia.  Las series se hacen eco de los aires de cambio y de libertad de finales de esa década, aunque la verdadera cristalización de la libertad de expresión se daría a partir de los años ochenta.

La muerte de Franco marca un punto de inflexión en la década. Ya existía una antelación social rupturista con el régimen franquista: las movilizaciones políticas y sindicales se acentúan, la presión internacional aumenta, el descontento se generaliza incluso en los funcionarios del régimen (conflictos entre reformistas y el búnker). La estructura político-social franquista empieza desmoronarse y las dos posturas enfrentadas tienen su reflejo en las series de televisión. La conflictividad social reactiva la censura. Sin embargo, es un hecho imparable y queda reflejada en las series de televisión.

Algunas de las series más importantes de la década son:
  • Las Aventuras y desventuras de Mateo de Jesús Puente y dirigida por Jesús Yagüe (1972). La serie es la adaptación de la obra de Aldo de Benedetti. La serie gira en torno a la persona de Mateo Martínez, un español medio con una tendencia a meterse en líos y con mala suerte.A pesar de la cierta “apertura cultural”, las series siguen vendiendo el estereotipo español del régimen franquista. El caso de Las Aventuras y desventuras de Mateo es un claro ejemplo. Poco a poco conforme avance la década se irán rompiendo estos estereotipos.
  • Animales racionales fue una serie de televisión, emitida en la temporada 1972-1973 por  Televisión española. Realizada por Gabriel Ibáñez y con guiones de Álvaro de la Iglesia, cada episodio contaba una historia con principio y final e independiente. El hilo conductor de la serie era la  exposición cómica de situaciones pintorescas que ponían al límite a  los personajes. Otro elemento común además de los guiones de La Iglesia fueron las interpretaciones de los Manolo Gómez Bur y Antonio Casal, que se alternaban semanalmente en el personaje protagonista.
  • Al filo de lo imposible fue una serie de televisión, emitida por TVE en 1970, con guiones de José López Rubio y realizada por Cayetano Luca de Tena, Manuel Aguado o Pedro Amalio López. Eran piezas cortas de teatro, independientes.
  •  60 grados en torno a... fue una miniserie musical española dirigida por Valerio Lazarov y estrenada por TVE en 1972. En cada uno de los programas, el protagonista era un cantante famoso que interpretaba los mayores éxitos de su carrera junto a alguna canción grabada especialmente para el programa, y con la presencia de invitados especiales de la música y el humor. Destaca por ser una de las primeras producciones de TVE en color. Para su rodaje en color, se utilizaron cámaras de cine.
  • Suspiros de España fue una serie de  emitida en la temporada 1974-1975. Cada uno de los episodios se centra en la vida cotidiana de la España de la década de los 70 con un tono de crítica costumbrista, centrada en los anhelos y deseos de los españoles del día a día. También daba continuidad el elenco de actores que protagonizaron esta ficción, interpretando un papel distinto cada semana. La censura del régimen se va desmoronando poco a poco y se permite cierta crítica a algunos comportamientos éticos de la sociedad. Sin embargo, no es una crítica radical, ya que todavía vive el dictador y su régimen.
  • Buenas noches, señores fue una serie de televisión de 13 episodios, protagonizada por Julia Gutiérrez Caba, dirigida por Gustavo Pérez Puig, con guiones de Víctor Ruiz Iriarte y emitida por Televisión española en 1972. La serie presenta, en episodios sin relación argumental, escenas domésticas y costumbristas de la vida española de la época. El único hilo conductor es la protagonista.
  • Los camioneros fue una serie española de televisión, emitida en 1973, dirigida por Mario Camus, con guiones de Pedro Gil Paradela, música de Antón García Abril y protagonizada por Sancho Gracia. Paco (Sancho Gracia) es un camionero que acompañado de su inseparable amigo Lorenzo (Carlos Otero), recorre las carreteras de España viviendo toda clase de aventuras.
  • Cañas y barro es una serie de televisión, basada en el libro de Vicente Blasco Ibáñez, dirigida por Rafael Romero Marchent y estrenada por TVE en 1978. Con esta serie se iniciaba la práctica de TVE de adaptar para televisión grandes novelas de autores españoles de los siglos XIX y XX.
  • Compañera te doy fue una serie española de televisión, emitida por TVE en 1973, escrita por Alfonso Paso y protagonizada por Carlos Larrañaga y María Luisa Merlo. La serie narra, en tono de comedia, las relaciones de pareja en distintas situaciones y momentos históricos. Los protagonistas interpretan varias escenas totalmente independientes.
  • Curro Jiménez es una serie de televisión española emitida de 1976 a 1978 en TVE, creada por el dramaturgo uruguayo Antonio Larreta. Está basada en el bandolerismo andaluz del siglo XIX, cuya acción se desarrolla principalmente en la Serranía de Ronda. Curro Jiménez refleja la vida de  Andrés López, el barquero de Cantillana, personaje del S.XIX al que la justicia le obligó a echarse al monte. Los personajes principales son cuatro bandoleros: Curro Jiménez (Sancho Gracia), el Algarrobo (Álvaro de Luna), el Estudiante (José Sancho) y el Fraile (Francisco Algora), que al morir en la serie es sustituido en la banda por el Gitano(Eduardo García).El bandolerismo andaluz fue una figura clave en el siglo XIX. Las desamortizaciones de Madoz y Mendizábal generaron el problema del latifundismo en el sur de la península. La serie de Curro Jiménez es un reflejo de la realidad andaluza y una forma eficaz de crítica y de denuncia social de la situación del campo andaluz, del caciquismo y de la brecha existente entre señoritos y jornaleros sin tierra.
  • Las doce caras de Eva es una serie de televisión de 12 episodios, emitida por TVE en la temporada 1971-1972, realizada por Jesús Yagüe y Jaime de Armiñán. Describe la vida en un correccional, desde la perspectiva de cada una de las protagonistas., quienes representan los signos del zodiaco que marcan sus personalidades.
  • La barraca es una serie de televisión dirigida por León Klimovsky y estrenada por Televisión española en 1979. La serie se basa en la novela homónima de Vicente Blasco Ibáñez. La serie narra las dificultades de la vida en la Valencia rural de finales del siglo XIX. El tío Barret se ve expulsado de las tierras que ha cultivado su familia durante generaciones al no poder pagar la renta al propietario D.Salvador. Sus vecinos Pepeta y Pimentó hacen causa común con el resto de los habitantes de la huerta para impedir que esa finca vuelva nunca a ser cultivada. Pero Batiste, acompañado de su mujer Teresa y de sus hijos Roseta, Batistet Ramón, Eustaquio y el pequeño Pasqualet, se instalan en la barraca con intención de sacar adelante el trabajo por pura necesidad de subsistencia. A partir de ese momento deberán además hacer frente a la hostilidad del resto de los aldeanos que los ven como dóciles colaboradores del terrateniente. Sólo el tío Tomba y su nieto Tonet, enamorado de Roseta, parecen apiadarse. Tras varios incidentes, que acaban con la muerte del pequeño Pasqualet y de Pimentó, los vecinos terminan incendiando la barraca y provocando la marcha de Batiste y su familia.
  •  Los maniáticos fue una serie española de televisión, dirigida por Fernando García de la Vega, con guiones de Carlos Muñiz y emitida por TVE en 1974.La serie narra la peculiar vida cotidiana de una familia corriente, aunque algo estrafalaria, al frente de la cual se sitúa Don Jonás, el padre, viudo desde hace poco y que convive con su criada Jacinta, pero que ve perturbada la paz de su casa con la llegada de su hija Lola, su yerno Pablo y sus terribles nietos.
  •  Un mito llamado..., subtitulada Los mitos fue una serie española de televisión, emitida por TVE con dirección de Juan Guerrero Zamora e interpretación de Nuria Torray. A lo largo de cada episodio se revisaba un mito de forma crítica y  con un análisis social del comportamiento humano.
  •  Paisaje con figuras fue una serie de televisión producida por RTVE dirigida por Mario Camus, con guiones del escritor Antonio Gala. Cada capítulo se centra en un personaje de la Historia de España, en el momento que pasó a la historia.  Sirvió para difundir la cultura y la historia de España.



LAS SERIES QUE VIENEN DE FUERA: LA INFLUENCIA NORTEAMERICANA

La apertura del régimen conllevó consigo un mayor acercamiento al bloque occidental liderado por los Estados Unidos. Títulos como Embrujada, La Casa de la Pradera, Bonanza y Kung Fu son la vanguardia de las series norteamericanas basadas en el entretenimiento y en la difusión de una cultura de ocio. Sin embargo, estas series recogen elementos propagandísticos que indirectamente empiezan a vender el modo de vida americano.
 Con el paso del tiempo, las series norteamericanas doblarán y multiplicarán la audiencia de las series autóctonas, creando una nueva hegemonía cultural en la sociedad española asentando las bases de una sociedad de consumo aún mayor semejante a la vivida en el continente americano.


CONCLUSIÓN

España está viviendo un punto de inflexión que marcará un hito en su historia contemporánea. Hay dos posturas enfrentadas: por un lado, está los partidarios del régimen franquista (tanto aperturistas como el búnker) que defienden la estructura social  y cultural de la dictadura y que pretenden mantenerla viva a través de la figura de Juan Carlos príncipe de España. Y por otro lado, la oposición al régimen unida en la denominada “Platajunta” intenta romper de forma radical con los paradigmas del régimen. Las series de televisión se hacen eco de la conflictividad social, aunque se hará de forma más explícita a partir de la década de los ochenta. El franquismo va perdiendo poco a poco una de sus herramientas de control, la cultura, que va a volver a convertirse en un arma política de denuncia social.

La cultura se transforma en un elemento hegemónico contra el pensamiento único de la dictadura y la televisión en un intelectual orgánico que permite difundir las nuevas ideas de cambio que reclama la sociedad española. Este hecho se verá de forma más explícita durante los años ochenta, aunque es en los setenta donde nace y va asentándose satisfaciendo las necesidades de cambio de la propia sociedad.

viernes, 7 de noviembre de 2014

EL CAMBIO CLIMÁTICO

El cambio climático es una realidad incuestionable confirmada por numerosos estudios y propagada por miles de políticos (en especial, la figura del candidato a la presidencia de Estados Unidos por el partido Demócrata, Al Gore)  que abogan por una economía sostenible y más respetuosa con el planeta. Sin embargo, los científicos han podido constatar que el efecto invernadero no es tan catastrófico como la ciencia ficción o la propaganda nos han hecho creer.

Es cierto que es necesario conservar los bienes naturales del planeta.  Pero también es cierto que la naturaleza por si misma tiende a regenerarse de forma natural: todo tiene su ciclo. El propio planeta tiene sus propios mecanismos internos que buscan el equilibrio entre las diversas partes que lo componen.

La mano del hombre puede romper ese equilibrio y acelerar la labor destructiva de la propia naturaleza, pero también está en su mano preservarla y dejar que ésta siga su curso. Eso es lo que denominados Sostenibilidad, aprovechar los recursos naturales para la propia supervivencia de la especie, sin destruir por un afán acumulativo.

La raíz del cambio climático y sus efectos no es innata sino que está provocada por la mano del hombre: si dejáramos actuar a la propia naturaleza sin intervenir, ella misma regularía los procesos de creación y destrucción, equilibrando así la balanza.

Los estados tienen posiciones ambiguas sobre el cambio climático: Estados Unidos y la Unión Europea firmaron el protocolo de Kyoto el 11 de diciembre de 1997, protocolo que entró en vigor en 2004. Sin embargo, Estados Unidos  consideró injusto dicho tratado porque perjudicaba gravemente su economía  a favor de otros países como China o India. La Unión europea no tiene una posición común al respecto (basta observar la parte norte industrializada y su inversión en I+D+i con el sur de Europa, zona donde la industria fue arrasada porque rivalizaba económicamente con su cabeza visible, Alemania).

Bajo este pretexto, se suceden continuas reuniones de carácter internacional con los mismos actores y el mismo resultado: no hay acuerdo. Por tanto, el cambio climático se convierte en un bucle recurrente, que únicamente es actualidad cuando lo dictan los Medios de Comunicación a través de la llamada agenda setting.

Al ser un tema de la agenda setting, tiene una mayor repercusión en la opinión pública (como actualmente la corrupción política, económica y sistémica).  Sin embargo, cuando el tema deja de ser relevante, la amnesia colectiva se adueña de la opinión pública y todas las promesas y buenos propósitos de los políticos (excepto los partidos Verdes, ya que es su principal lanza de batalla) se desvanecen entre las hojas de un programa electoral vacío y unos electores más preocupados por la situación económica y social que por el medio ambiente.


Los Medios de Comunicación en general son empresas cuyo fin es tener una ganancia o ser solventes.  Por tanto, lo importante no es la verdad sino la noticia verdadera, aquella que es creíble y que no busca la verdadera raíz del problema, sino el enfoque del Medio de Comunicación.


jueves, 6 de noviembre de 2014

EL GENERAL MIAJA


José Miaja. El General Miaja, hace justo 78 años fue el encargado de organizar la Defensa de Madrid, cuando Madrid estaba sitiada y en algunos barrios se combatía a bayonetazos casa por casa. A pesar de los tanques Fiat Ansaldo italianos, de los trimotores Junkers alemanes, de los legionarios henchidos de odio y de miedo, de los tan enloquecidos como engañados soldados musulmanes traídos de Marruecos, y a pesar de que el gobierno decidió salir corriendo; Madrid no cayó defendido por este hombre, por los madrileños, por cientos de jóvenes vascos y Asturianos, y por un puñado de románticos que creían en un sueño, Madrid no solo no cayó el siete de noviembre de 1936 sino que resistió aun dos años y medio más.

No obstante, decide permanecer leal al gobierno y es designado ministro de la Guerra en el fugaz gabinete de Diego Martínez Barrio, en la madrugada del 18 al 19 de julio de 1936. No acepta el mismo cargo en el gobierno formado por José Giral.

El 25 de julio de 1936 es nombrado Jefe de Operaciones del Sur, partiendo el 28 de julio de Albacete al mando de una fuerza de 5000 hombres con la que llega a las puertas de Córdoba, pero vacila y su indecisión le hace perder un tiempo que da lugar a la actuación de la aviación de los sublevados sufriendo una gran derrota el día 22 de agosto.

Tras el fracaso es trasladado a Valencia, donde toma el mando de la Tercera División Orgánica. A finales de octubre vuelve a Madrid como jefe de la Primera División Orgánica. En noviembre de 1936, al evacuar el gobierno la capital ante la inminente llegada de las tropas franquistas, fue nombrado presidente de la Junta de Defensa de Madrid. Con el teniente coronel Rojo como Jefe de Estado Mayor, logra detener al enemigo en el Manzanares tras feroces combates en la Ciudad Universitaria (en la denominada Batalla de la Ciudad Universitaria), alcanzando gran popularidad entre el pueblo madrileño. Sin Miaja no se hubiera impedido la entrada de Franco en Madrid.

En el transcurso de la guerra concentró más poder militar que ningún otro general republicano. Considerando que la negativa de Franco a aceptar negociaciones era debida a la participación comunista en el gobierno, Miaja no dudó en secundar el golpe de Estado contra el gobierno de Negrín, encabezado por el coronel Casado en marzo de 1939, presidiendo el Consejo Nacional de Defensa que desplazó por la fuerza al gobierno de Negrín del poder republicano, sin conseguir la "paz honrosa" que perseguían.

El 26 de marzo de 1939 se exilió embarcando en Gandía en un barco británico que le llevó a Argelia, después a Francia, y finalmente a México donde murió el 14 de enero de 1958 a la edad de setenta y nueve años.

El General Miaja salió de España el 29 de marzo de 1939 en avión desde el aeródromo de Rabasa (Alicante) rumbo a Orán (Argelia). Tras unos días en Orán se embarcó rumbo Francia donde se reunión con su familia y, finalmente se trasladó a México. Allí vivió hasta su fallecimiento el 14 de enero de 1958.