Desarrollo de la arquitectura en el siglo XIV
La arquitectura del periodo Radiante en Francia
A partir de la segunda mitad del siglo XIII la búsqueda de la altura sin control y con artificiosidad va a provocar el colapso de alguna construcciones como la Catedral de Beauvois en 1284 y que además aumentaron los gastos considerablemente de algunas obras, lo que provocó que quedaran inconclusas por falta de fondos como en Colonia, Narbona o Siena.
Como respuesta surge una nueva tendencia que busca convertir los muros en tabiques translucidos convirtiéndolos en “estuches de cristal”, y donde las vidrieras juegan un papel aún más relevante.
Este nuevo estilo se denomina Gótico Radiante, debido a la multiplicación de los radios de los grandes rosetones, como el de la Saint-Chapelle de París (1239).
La relevancia de las vidrieras en el nuevo estilo convierte a la arquitectura en un mero soporte o marco de las vidrieras, lo que supone la reducción del tamaño de los edificios frente a los estilos anteriores y posteriores y que refleja una mayor espiritualidad y humanidad.
Este periodo refuerza la relación entre la iglesia y la monarquía francesa, lo que sirve para que se le denomine también Gótico real.
De nuevo es la Abadía de Saint-Denis la pionera del nuevo estilo, ya que las obras habían estado paralizadas durante un siglo y el abad Eudes Clement retoma en 1231 las obras de la iglesia, para enlazar con la cabecera del abad Suger eliminado la antigua iglesia carolingia y añadiendo un nuevo Panteón real con el apoyo del rey Luis IX el Santo su esposa Doña Blanca.
Se planifica una planta de 5 naves con la innovación del uso de pilares de sección en cruz, que permiten reducir su grosor y ganar en altura como haces de nervios que aumentan la amplitud de los vanos y las vidrieras, que ocupan el espacio del triforio.
Pero el máximo exponente del nuevo estilo será la Sainte-Chapelle, construida entre 1241 y 1248, incluidas las vidrieras y las esculturas, se plena en medio del Palacio real como relicario de la corona de espinas con la que se sacralizaba a los reyes de Francia. Se planeta como un capilla de dos plantas, con una iglesia inferior, de baja altura y escasa iluminación y un edificio superior compuesto por amplísimos vanos sujetos por esbeltos contrafuertes.
.jpeg)
Del mismo estilo son la Abadía de Saint-Germer-de-Fly, los brazos del crucero de Notre Dame de París o la cabecera de la derruida Catedral de Beaouvois
Novedades del Decorated Style en Inglaterra
La pérdida de las posesiones inglesas en el continente rompieron algunos de los lazos artísticos heredados del estilo normando o del Gótico clásico, pero la arquitectura inglesa derivó hacia un nuevo estilo curvilíneo, a partir de 1230,que ha querido asemejarse a estilo radiante francés, pero que sin embargo presenta muchas peculiaridades.
De la evolución del gótico en Inglaterra, a mediados del siglo XIII se deriva en el llamado Estilo Decorado. El nombre que da denominación a esta etapa canoniza ese desarrollo de una arquitectura gótica con carácter nacional, distinta por completo a los planteamientos del mundo continental.
De esta manera se extienden las salas capitulares inglesas, construidas como cajas de cristal y exentas de la planta catedralicia, con planta poligonal y proporciones casi cúbicas, con una bóveda que se apoya en un pilar central de forma de palmera y donde los muros se sustituyen por vidrieras y tracerías góticas. Son los casos de Westminster, Salisbury o Wells.
Las bóvedas en Inglaterra tienen un carácter más unitario, lo cual da la sensación de que sus elementos sustentantes carecen de esas divisiones verticales tan fuertes. Las bóvedas tienden a cubrir toda la nave longitudinal, sin dar sensación de que los soportes tengan una tensión vertical, con lo cual, esa carencia de tensiones verticales lo que hace es en cierta medida modificar la percepción interior de los edificios.
Los arquitectos continuarán siendo bastante fieles a las plantas tradicionales, y abrirán el espesor de los muros con todos los pasadizos anteriores, y exteriormente también todas las fachadas y conjuntos van a estar dominadas por una serie de líneas de carácter horizontal.
La decoración va a alcanzar en este momento un gran apogeo, y va a rematar la primacía a todos los elementos estructurales. La estructura sigue existiendo, pero va a quedar disimulada por toda una serie de fórmulas de carácter decorativo.
La Catedral de Exeter, iniciada en 1280, se proyecta de forma unitaria. Es un edificio de baja altura, con bóvedas de nervios que arrancan en haces. Presenta grandes novedades, como el uso de un gran ventanal central que sustituye el rosetón, obra del Maestro Thomas Witney, el uso de la bóveda de abanico y de los arcos conopiales en el coro.
 |
| Exeter |
El aumento del peso de las techumbres supuso algunos derrumbes, como el dela torre del crucero central de la Catedral de Ely en 1322, que acabó sustituida por una bóveda de conoides nervudos y rematada por una linterna.
 |
| Ely |
En la Catedral de Wells, el exceso de peso se solucionó con el uso de dos arcos cruzados en el crucero. Otro de los juegos técnicos es el del crucero de la Catedral de Wells: vemos el equilibrio que se logra dar a los soportes en 1338, cuando se vieron obligados a reforzar el empuje y contrarresto de las arquerías altas con un carácter permanente.
Ello se realiza con un doble juego: se refuerzan los soportes, y a su vez se convierte cada uno de los espacios en una especie de pórtico interior, con una estructura que va a volar sobre esas bóvedas en abanico. Exteriormente presenta dos arcos, colocados pies contra cabeza, de tal forma que marca esa aspa tan característica.
Se rellenan las superficies para reforzar el efecto decorativo; se decora con unos óculos.
Este tipo de solución aparecerá en otros edificios cercanos, pero multiplicando incluso el número de nervaduras, que llegan a tener un carácter propiamente de decoración, perdiendo su carácter tectónico.
 |
| Wells |
Las peculiaridades de la arquitectura en la Corona de Aragón
La crisis económica, social y política en Castilla a lo largo del siglo XIV supondrá un parón constructivo que detendrá la expansión del arte Gótico, sin embargo Aragón sí continuará con su programa constructivo y añadirá una serie de innovaciones que dejarán atrás los modelos del Gótico Clásico.
Entre ellas destaca el uso de plantas de salón (sin diferentes alturas en las naves), que le permiten llegar a prescindir de arbotantes reforzando los contrafuertes y logrando espacios unitarios (misma altura). Se utilizan cubiertas planas y el muro gana protagonismo al vano y a la decoración profusa. Estos modelos tienen su paralelo en el Midi francés o en Italia, en consonancia con los modelos de la órdenes mendicantes, que tienden a la austeridad y que se traslada a todos tipo de edificios.
Catedral de Barcelona
Un ejemplo de este modelo es la Catedral de Barcelona, iniciada en 1298 por Jaume de Fabre, con un planta de 3 naves casi a la misma altura, una girola sin arbotantes, deambulatorio y 9 capillas radiales. Los pilares crecen en altura para limitar el triforio a la mínima expresión y sustituir los ventanales por óculos.
 |
| Catedral de Barcelona |
Su proyecto es de finales del siglo XIII y se construyó a partir del Siglo XIV aunque se realizaron varios añadidos posteriores como el cimborrio que se encuentra en la cabecera y la propia fachada.
Se construyó sobre los cimientos de una basílica paleocristiana, restos visigodos y una iglesia románica, aprovechando algunos de los elementos o restos.
Autores. Se conoce a uno de sus autores Jaume Fabra , que participó también en la Catedral de Palma. Pero además dada la duración de su construcción participaron otros maestros.
 |
| fachada Catedral Barcelona |
Tiene tres naves de casi igual altura, siendo la central más ancha que las laterales que se prolongan en el deambulatorio o girola , a la que se abren 9 absidiolos.
- Su eje o sentido es longitudinal desde los pies donde se encuentra un cimborrio de finales del siglo XIX o principios del XX hacia la cabecera , hacia el presbiterio y altar .
- En las naves laterales entre los contrafuertes se construyen dos amplias capillas. Encima de ellas una arcaica tribuna con ventana con vidrieras. En Santa María del Mar desaparece.
En el alzado de la nave central se aprecian tres niveles : los arcos ojivales, un pequeño triforio casi excavado en la bóveda y algunos pequeños vanos tipo rosetón
El material constructivo es la piedra en sillería y como elementos sustentantes : los muros , los pilares que llevan adosados baquetones sobre los que apean los arcos ojivales, en Santa María del Mar desaparecen los baquetones y los contrafuertes que en el exterior no tienen pináculos.
 |
| Catedral de Barcelona |
Las cubiertas son bóvedas de crucería de nervios combados y con la clave decorada.
En el presbiterio, muy diáfano, las bóvedas son de tipo radial y de crucería con nervios combados en el resto adaptándose a la curva.
Es un espacio amplio y diáfano que permite ver y ser visto. Un espacio muy apropiado para la predicación , en un momento en el que acechaban las herejías como la de los cátaros.
Es un espacio bastante austero en el que no existe mucha decoración.
La luz es escasa tal vez por razones climáticas proteger de los rigores del sol
La Catedral de Barcelona y Santa María del Mar se encuadran dentro del GÓTICO LEVANTINO O de la CORONA DE ARAGÓN que tiene su gran desarrollo durante el siglo XIV relacionado con el auge del comercio, y por tanto de la burguesía, hecho que la diferencia de Castilla .
 |
| Catedral de Barcelona |
Este contexto conlleva mayor desarrollo de la arquitectura civil (palacio, ayuntamiento, atarazanas, lonjas) Por otra parte la necesidad de combatir la herejía mediante la predicación influye en la arquitectura : se necesita un espacio unitario para que el predicador vea y sea visto.
Las características del gótico levantino observables en esta Catedral de Barcelona son: tendencia a planta de salón o escasa diferencia entre las naves, siendo los pilares muy finos, con este sistema se consigue un espacio propicio para ver a los predicadores o ser vistos ( espacio unitario) . Se suele suprimir el triforio y aparecen capillas entre los contrafuertes.
En el bello jardín del claustro gótico, poblado de palmeras, magnolios y naranjos, hay un estanque por donde corretean trece ocas blancas en honor a Santa Eulalia, que tenía trece años cuando fue torturada. El claustro guarda otras muchas curiosidades invisibles al ojo no experto. Por el suelo podemos ver insignias que representan a gremios de mercaderes y artesanos, algunos de los cuales se ganaron el ser enterrados aquí por su apoyo financiero al proyecto catedralicio. En una esquina del patio, dicen que da buena suerte arrojar una moneda a una pequeña fuente con una imagen de San Jordi matando al dragón. En el surtidor central, que data del siglo XV, tiene lugar todos los años por la festividad del Corpus Christi el tradicional L’ou com balla, cuando se hace “bailar” un huevo colocándolo sobre el chorro de agua.
 |
| Interior Catedral de Barcelona |
Las dimensiones y riqueza ornamental de este templo gótico hacen que uno pueda, si quiere, pasarse horas visitándolo. Por dar algunas cifras que ilustren su grandiosidad, la Catedral de Barcelona alberga alrededor de 40 capillas, decoradas con retablos góticos de célebres pintores catalanes como Guerau Gener o Bernat Martorell, 215 claves de bóveda y 200 gárgolas entre las que, además de demonios, podemos encontrar un elefante, un toro y un unicornio.
 |
| Barcelona |
Pese a lo inabarcable del conjunto, toda visita que se precie debe pasar por la Puerta de San Ivo, la más antigua y principal acceso a la catedral durante cinco siglos, donde una inscripción nos recuerda la fecha exacta de 1298 en la que comenzó a construirse el templo. Una vez dentro, no puede dejarse de ver el Altar Mayor, sostenido sobre dos capiteles del templo primitivo del siglo VI y presidido por la Exaltación de la Cruz rodeada por seis ángeles, del escultor Frederic Marès. Entre los elementos más valiosos del templo están el coro, con su sillería de madera tallada del siglo XV, los relieves de la vida de Santa Eulalia del trascoro, de estilo renacentista, y la capilla románica de Santa Lucía, del siglo XIII, que cuenta con una entrada exterior ya que se construyó como capilla del anexo palacio episcopal.
En la basílica también descansan los restos de diferentes personalidades reales, destacando los sepulcros del conde Ramón Berenguer I y su esposa, Almodis de la Marca, así como el cuerpo incorrupto de San Olegario, obispo de Barcelona en el siglo XII.
Basílica de Santa María del Mar
En la misma línea se sitúa la Basílica de Santa María del Mar de Barcelona. Presenta planta de salón, con tres naves de misma altura, con pilares octogonales y ausencia de arbotantes. La obra de Berenguer de Montagut, se completa con un alto muro que resta espacio a las vidrieras, que quedan relegadas a un papel menor. Pero a pesar de ello la sensación de luz interior es amplia.
 |
| Basílica Santa María del Mar |
Santa María del Mar en Barcelona de Berenguer de Montagut, construida y financiada en el siglo XIV por los gremios y oficios relacionados con la actividad portuaria de Barcelona. La "catedral del Mar" cómo se la conoce sobre todo a raíz de la publicación del libro homónimo de Ildefonso Falcones, es el símbolo del gótico catalán: exterior sencillo de materiales pobres, ausencia de arbotantes, numerosos contrafuertes, tendencia a la horizontalidad que no hace presagiar el magnífico interior. En este interior la tendencia horizontal se convierte en una marcada vertical: planta de salón ( tras naves a la misma altura) sin transepto, y donde destacan los austeros pilares de sección poligonal que se elevan desnudos, sin ornamento, enmarcando la amplia nave central. Los pilares parecen multiplicarse en la girola donde forman un semicírculo constituyendo un abigarrado bosque geométrico de piedra
 |
| basílica santa María del mar |
LA PLANTA e INTERIOR constituye un ejemplo cercano a la planta salón, precedida de nartex, con tres naves casi de igual altura, siendo la nave central de trece metros que equivale a la suma de dos naves laterales. Por tanto la proporción sería nave central 2 a 1
El espacio está formado por cuatro tramos cuadrados y capillas entre los contrafuertes, así mismo cuenta con girola con nueve capillas poligonales y no tiene crucero.
Los elementos sustentantes son los muros, los contrafuertes entre las capillas y los pilares esbeltos y poligonales que al ser tan delgados crean una espacio diáfano y unitario.
El sistema constructivo es abovedado con bóvedas de crucería cuatripartita y en la girola poligonales en las que es perceptible la policromía.
Es un espacio amplio y diáfano que permite ver y ser visto. Un espacio muy apropiado para la predicación , en un momento en el acechaban las herejías como la de los cátaros.
 |
| Interior Santa María del Mar |
En las naves laterales presenta dos niveles : uno formado por arquerías alancetadas que dan paso a las capillas y otro es el claristorio relativamente poco calado y con ventanales no demasiado grandes.
La luz llega a la nave central desde los ventanales de las naves laterales y los óculos siendo una luz tenue. En el Gótico mediterráneo los edificios están menos iluminados tal vez para protegerse del calor y favorecer la intimidad.
La iglesia es austera, con las paredes sin decoración, los pilares limpios ya que los nervios terminan en los capiteles y no se prolongan en baquetones hasta el suelo como en las iglesias del gótico clásico.
Vista desde el exterior la basílica ofrece una impresión de edificio macizo del que no se deduce el espacio interior. La fachada se enmarca entre dos torres octogonales y dos contrafuertes entre los que se encuentra la portada y el rosetón.
 |
| Alzado Santa María del Mar |
Catedral de Gerona
La Catedral de Gerona, se inicia como una copia de la de Barcelona, con 3 naves de altura similar, pero un siglo después se hace cargo de las obras Guillermo Bofill, quien planea una sola nave de gran amplitud (la mayor del Gótico), y que planteó algunos problemas de construcción que está muy bien documentados.
 |
| Gerona |
 |
| Planta Catedral Gerona |
Catedral de Palma de Mallorca
La Catedral de Palma de Mallorca, construida entre los siglos XIII y XIV, tuvo varios maestros, como Jaume Mates, Guillen Sagrera o Pere Morey.
Presenta una planta de 3 naves y capillas entre los contrafuertes, con cabecera recta y una nace central de gran altura que precisa de reforzarse con arbotantes, reforzados por contrafuertes exteriores y unos pilares interiores ochavados similares a los de Sta. María del Mar. Todo el conjunto muestra una solidez y robustez que contrasta con el Gótico Radiante imperante en Francia en este momento
Una de las principales características de la Seu es su planta de salón o basilical, una influencia alemana típica en el gótico levantino, que no siguió el modelo francés de planta de cruz latina. Tres naves conforman un amplio espacio rectangular sustentado por altísimos y esbeltos pilares, siendo la nave central una de las más altas entre las catedrales góticas europeas con 44 metros (solo es superada por la de Beauvais, 48 metros, y Milán, 45). Se trata, además, de un templo muy luminoso gracias a sus 87 ventanales y siete rosetones, por lo que también es conocida como la Catedral de la Luz. El estilo barroco se impone en la decoración interior, que en su mayor parte data de los siglos XVII y XVIII. De esta época y estilo son los retablos de sus 16 capillas laterales, aunque el más famoso es el que preside el ábside izquierdo, el retablo Corpus Christi de Jaume Blanquer, que representa la Última Cena.
Su acceso principal es el Portal del Mirador, que no se encuentra a los pies sino en la fachada sur, de cara al mar. Protegido por un arco ojival exterior de 15 metros de altura, está considerado una joya del gótico mallorquín y cuenta con un bajorrelieve que representa la Última Cena. En la fachada opuesta encontramos el Portal de l’Almoina, donde destaca una estatua de un ángel con las alas desplegadas obra de Guillem Sagrera, uno de los principales arquitectos de la Seu y destacado artista del gótico balear. El Portal Mayor, ya de estilo renacentista y terminado en 1601, está presidido por la Inmaculada rodeada de 15 símbolos marianos de la pulcritud de la virgen.
 |
| Palma |
El rosetón mayor cuenta con un hermano pequeño situado enfrente, en la fachada de Poniente. Entre los dos conforman un fenómeno lumínico único que solo puede observarse dos veces al año. Cada 2 de febrero y 11 de noviembre, coincidiendo con las festividades de la Candelaria y San Martín, la luz del sol atraviesa el rosetón mayor de tal forma que su colorida imagen se proyecta justo debajo del rosetón de enfrente, formando lo que se conoce como el ocho de la Catedral o la Fiesta de la Luz. El instante, que ocurre en torno a las 8.30 de la mañana de esos dos únicos días, es posible gracias a la perfecta alineación de la salida del sol con el eje de orientación de la catedral, 120 grados sureste aproximadamente.
 |
| Plano catedral Palma |
La arquitectura gótica en Centroeuropa
La variedad política y cultural de Centroeuropa y más concretamente del Sacro Imperio, supuso que el Gótico se transformará de maneras muy diferentes según la tradición y la cultura del cada lugar. A pesar de ellos, se puede hablar de ciertas características compartidas, como el uso de Iglesia de Salón, con naves a la misma altura, que añaden un juego de luces entre las naves laterales y la central (que no recibe luz directa). Las bóvedas se van complicando., reforzándose con nervios que permiten el abandono de los arbotantes exteriores.
Otras de las características comunes, que se aplican también en iglesias no catedralicias, es la ausencia de transepto, de deambulatorio y de girola, así como de triforio, mientras que en el exterior destaca la falta de portadas monumentales con gran aparato escultórico. Un ejemplo de estos modelos en San Lorenzo de Nuremberg.
.jpg) |
| San Lorenzo de Nuremberg |
Construcción del Lorenzkirche comenzó en 1250 y continuó durante más de dos siglos, culminando su construcción hacia 1477. El estilo arquitectónico de la iglesia es predominantemente gótico, con una fachada que cautiva inmediatamente a los visitantes. Sus dos altísimas torres gemelas, de más de 80 metros cada una, dominan el horizonte y están adornadas con intrincados detalles que muestran la artesanía de los constructores medievales. El impresionante rosetón, conocido como "Rosenkranzfenster"mide casi nueve metros de diámetro y es un elemento distintivo de la fachada de la iglesia.
El exterior también presenta numerosas esculturas y tallas, incluidas representaciones de figuras bíblicas, santos y escenas de la historia cristiana. El nivel de detalle de la cantería pone de manifiesto la habilidad y dedicación de los artesanos que trabajaron en esta estructura monumental.
El interior de Lorenzkirche es igualmente impresionante, con altísimos techos abovedados, altares ornamentados y una gran variedad de tesoros artísticos que se han conservado a lo largo de los siglos. Destacan:
- El Tabernáculo: Diseñado por Adam Kraft a finales del siglo XV, el tabernáculo, de intrincada talla, es una obra maestra del arte gótico tardío. Se eleva 20 metros de altura y está adornado con representaciones de escenas y figuras bíblicas.
- El saludo angélico: Esta exquisita talla de madera de Veit Stoss, suspendida en la zona del coro, representa la escena de la Anunciación y es una de las obras de arte más célebres de la iglesia.
- Vidrieras: Las coloridas vidrieras, algunas de las cuales datan del siglo XIV, inundan de luz el interior y representan escenas de la Biblia, santos y motivos religiosos.
- El órgano: La Lorenzkirche alberga uno de los mayores órganos de tubos de Europa, con más de 12.000 tubos. El órgano se utiliza con frecuencia para conciertos y servicios religiosos, ofreciendo una experiencia auditiva que complementa la grandeza visual del espacio.
La escultura gótica en el siglo XIV
La escultura borgoñona o franco-flamenca: el legado de Claus Sluter
La iniciativa del rey Carlos V (1338-1380) supuso la llegada a la corte francesa de numerosos artistas flamencos para participar en un ambicioso programa iconográfico de la monarquía francesa.
Se deben destacar los retratos de Carlos V y Juana de Borbón, del museo del Louvre (copias restituidas tras su destrucción e la Revolución),donde se observa ya un realismo acusado.
La unión de los condados de Borgoña y Flandes transformó la corte de Dijon en un nuevo centro cultural y ello se plasmó en la construcción de la Cartuja de Chammol, donde los trabajos fueron iniciados por Juan de Marville y continuados por Claus Sluter, el padre de la Escuela borgoñona de escultura.
Obra de este autor es la portada de la Santa Trinidad, con arco sencillo y arquivoltas lisas. Reservando las figuras para la jambas y el parteluz.
.png) |
| portada de la Santa Trinidad |
El Pozo de Moisés
Pero quizás la obra más reseñable de este autor sea El Pozo de Moisés, esculpido para el claustro de la cartuja como parte de un conjunto del Calvario, que ha desaparecido y al que serviría como pedestal. Se trata de un pozo hexagonal, que representa la Fuente de la Vida, con 6 profetas del Antiguo Testamento (Moisés, David, Jeremías, Zacarías, Daniel e Isaías) que anuncian la llegada de Cristo. Las figuras emergen de la estructura y son tratadas de manera individual, con pesados ropajes y cuerpos de gran volumen, dando sensación de robustez.
.png) |
| El Pozo de Moisés |
La obra fue un encargo del duque de Borgoña Felipe el Atrevido. Este grupo escultórico es lo que se conserva de un gran conjunto que ocupaba el centro del claustro de la Cartuja y que estaría formado por :
- Una pila o pozo en el que el agua manaba de capas freáticas y que se puede considerar como símbolo de fuente de la vida o de renovación. La base hexagonal según litografía del siglo XIX contaba con distintos escudos referidos al duque y a un metro y medio se cierra la pila con una especie de cornisa que simbolizaría el Gólgota.
- Encima de esta base encontramos un pedestal también hexagonal ocupado por patriarcas y profetas del Antiguo Testamento entre columnillas con capiteles vegetales y sobre ellos ángeles que extienden sus alas: Moisés, David, , , Daniel, Zacarias, Isaías, Jeremías.
- Por último un Calvario con las figuras de Cristo , las santas mujeres y algunos apóstoles. del que se conserva muy poco. Lo más notable es un busto de Jesús.
Todas las estatuas del pilar hexagonal se asentaban sobre un suelo de color verde símbolo de la tierra y todas llevan textos en cartelas proféticos referidos a la pasión y muerte de Cristo. Cada figura está individualizada siendo retratos naturalistas y contaban con policromía de la que aún se conservan restos sobre todo azules, y dorados.
- Moisés Se le representa con unos cuernos o rayos y la barba encrespada Lleva en una mano las Tablas de la Ley y en la otra una cartela con un texto que dice : "Por la noche, la multitud de Israel lo matará al hijo de cordero.
.jpg) |
| Moisés |
- David con corona de rey y llevando el arpa en su mano derecha casi escondida viste túnica de color azul y un manto dorado. En la cartela está escrito un texto de un salmo : Ellos traspasarán mis manos y mis pies . Ellos romperán mis huesos..
- Jeremías viste un manto . Porta en su mano el Libro de las Lamentaciones y en la cartela un texto que tanto se puede aplicar a Cristo como a María o quien quiera empatizar con la Pasión de Cristo ( los monjes cartujos) (Oh todos vosotros que pasáis por el camino mirad y ved si hay un dolor como el mío)
 |
| David y Jeremías |
- Zacarías lleva túnica cubierta con un abrigo cubriendo su cabeza con un turbante. En una mano lleva una pluma y tintero y en la otra una cartela en la que anuncia que Judas venderá a Jesús por treinta monedas de plata.: "Appenderunt mercedem triginta argenteos meam"
 |
| Zacarías |
- Daniel dirige su mirada a Isaías y parece hablarle pues tiene la boca ligeramente abierta. Se cubre con una capucha y con un manto bordado de oro y forrado de azul. En los pies unas sandalias.La figura de Daniel que invocando a Dios amansó a los leones ofrece una profecía "Después de sesenta y dos semanas morirá".
- Isaías se presenta calvo y sin cubrir se inclina hacia Daniel como para escuchar llevando bajo el brazo un libro. Se ciñe con un cinturón adornado con una bolsa con seis bellotas.. En su cartela profetiza como Jesús será llevado a su sacrificio: "Se lo llevaron a la muerte como a un cordero, y como oveja ante el esquilador, que va a estar en silencio y no abrirá la boca".
 |
| Daniel e Isaías |
El material es la piedra caliza y el procedimiento es la talla. La sensación que nos dan las esculturas de este grupo es de pesadez y la sensación táctil es de rugosidad.
Los volúmenes son cerrados aunque se independizan y liberan del marco arquitectónico.
Las esculturas estuvieron dotadas de policromía, color que aún se conserva en algunas,colaboró el pintor Jean Malouel con el escultor.
La luz contribuye a crear efectos de luces y sombras, sobre rostros y sobre todo los pliegues .
El tratamiento de las figuras es una de las grandes aportaciones del escultor.
- Se nos presentan unas esculturas robustas y rotundas con tendencia al realismo ya que cada uno de los profetas presentan rasgos individualizados que denotan una carácter diferente.
- Una de las características del estilo Sluter son las vestiduras , esos pliegues grandes , pesados cortantes y angulosos.
La expresión. Todas las figuras muestran actitudes y rasgos psicológicos diferentes pero llaman la atención algunas como Moisés que presenta su cabeza en contraposto, las cuencas de sus ojos hundidas, la barba encrespada muestra el patetismo de tanta influencia de este escultor.
 |
| Moisés |
También son muy expresivas las esculturas de Jeremías e Isaías. Jeremías con su gran libro abierto (de gran detallismo) y su gesto de enfado. El profeta Isaías con una imagen muy naturalista con las arrugas en su frente y una mirada llena de tristeza y meditación. Con ello se ve el interés por los rasgos psicológicos.
 |
| Jeremías |
Es apreciable el gusto por los detalles que es característico de la escuela flamenca como la barba en dos puntas de Moisés las Tablas de la Ley, su cinturón; el arpa escondida de David , lor borlones; el libro de pergamino ahuecado que lleva Jeremías; las arrugas de Isaías y su cinturón.
 |
| Isaías |
La ejecución de los ángeles con una representación más dulce y suave parece que corresponde a Claus de Werve.
Tumba de Felipe el Atrevido
Tiene forma de lecho funerario, de mármol negro, con estatua yacente y numerosas esculturas en sus frentes, de mármol blanco. Presenta una galería de personajes de variadas actitudes y expresiones que representan la procesión de los familiares y sirvientes que acompañan al difunto,, verdaderos retratos de los numerosos miembros de la corte ducal .
De gran influencia son los DOLIENTES o LLORANTES
Finalmente el monumento funerario de Felipe el Atrevido que marca la nueva tendencia en los sepulcros. Aparece el fallecido sobre una losa negra y bajo su figura una procesión de monjes bajo elementos arquitectónicos góticos. Esta obra no pudo ser acabada por el autor, pero sí por su sobrino Claus de Werve, que será uno de los que expandan por Europa el nuevo estilo.
.png) |
| monumento funerario de Felipe el Atrevido |
El apogeo de la escultura funeraria
Este tipo de monumentos se extienden a partir del siglo XIV para servir de enterramientos a reyes, nobles y altos cargos eclesiásticos y se caracterizan por su gran individualismo, frente a la idealización de los modelos anteriores, que además añaden características del carácter del difunto y escenas de los cortejos fúnebres, que añaden un toque de realismo.
En Inglaterra destaca el sepulcro del Príncipe Negro, de cobre dorado y datado en 1380, con el difunto en actitud orante y los ojos abiertos y una armadura detallada gracias a la técnica de la cera perdida
 |
| sepulcro del Príncipe Negro |
 |
| Panteón Real del Monasterio de Poblet |
La luz como vehículo de expansión
La evolución en el uso y en la técnica de las vidrieras acabará asemejando mucho los nuevos estilos a los de las pinturas, y muchos artistas compartieron ambos espacios, incluidos dentro del mismo gremio. Es el caso de Guillem Letumgard, procedente de Constanza, y que se encarga de parte de las vidrieras de las Catedrales de Tarragona y Girona. En esta última destacan las escenas de la vida de Cristo y del Calvario.
Algo posteriores son las obras de Enrique Alemán en Sevilla (Los 4 obispos Santos) y Toledo o Arnao de Flandes en Ávila, Burgos y Palencia.
En Inglaterra el uso de las vidrieras no comienza hasta el siglo XII, destacando el conjunto de Canterbury (destruido por los puritanos) y, sobre todo, el de la Catedral de York, el más septentrional. En este conjunto llama la atención la vidriera de las Cinco Hermanas, (1250-1260), en el que las figuras están reatadas con una línea negra que refracta la luz, consiguiendo un efecto de mayor claridad (errata en el libro). En el lado oriental se colocó en 1405 The MGreat East Window, que buscaba ser la mayor de Inglaterra y donde se combinan elementos animales y vegetales y menor relevancia de las figuras humanas.
.png)
La pintura gótica del siglo XIV y el estilo “internacional”
La pintura en Francia: Aviñón y la corte parisina
El traslado de la corte papal a Aviñón en 1303 supuso la transformación de la ciudad en un nuevo polo de atracción de artistas,destacando el pintor Matteo Giovannetti, llegado en 1343 por efecto del Papa Clemente VI, para decorar varias capillas del Palacio papal, entre las que destacan la Capilla de San Marcial, cuyas figuras narran escenas de la vida del santo siguiendo un orden en espiral, con una gran profundidad gracias a los claroscuros y un tratamiento de los elementos arquitectónicos muy destacados.
 |
| Capilla de San Marcial, |
Las miniaturas sigues gozando en esta etapa de gran difusión en Francia, destacando los Libros de Horas, de carácter personalizado y único para cada persona que los encargaba. Asimismo se extiende la realización de marginalia, dibujos de escenas en los márgenes que podían no tener relación con le texto pero que permiten a los ilustradores una creatividad mucho más libre.
Jean Pucelle es el autor más destacado especialmente con el Libro de Horas de Jeanne d´Evreux, realizado para la esposa de Carlos IV en 1325 y donde se aprecia ya el nuevo estilo de los pintores italianos.
.jpeg) |
| Libro de Horas de Jeanne d´Evreux |
El primer retrato pictórico desde la Antigüedad será el de Juan el Bueno (1349), de autor desconocido, en el que aparece el personaje, aún sin haberse convertido en rey, de perfil y sobre fondo dorado, representando con un gran realismo.
 |
| Juan el Bueno (1349) |
De 1371 es el Paramento de Narbona, en grisalla sobre seda blanca, que representa a Carlos y Juana de Borbón junto a escenas de la Pasión
La pintura en la Corona de Aragón
El retablo pictórico adquiere gran popularidad como método de decoración de capillas laterales y espacios particulares. La influencia italiana se deja notar desde el principios del siglo XIV, y tiene entre sus impulsores a Ferrer Bassa, que sigue la corriente del Trecento italiano en sus obras más destacadas, como la Capilla de San Miguel del monasterio de Pedralbes de 1343, que consta de 22 escenas con diversos pasajes religiosos (La Pasión, la Virgen, vidas de Santos, etc.), evitando los fondos dorados y utilizando figuras abultadas que se integran en un espacio de carácter naturalista.
 |
| Pedralbes |
No hay comentarios:
Publicar un comentario