Italia, poco permeable al Gótico por sus particularidades políticas (ciudades poderosas, fragmentación del poder, enfrentamiento PapadoImperio) se va a erigir como la continuadora de la tradición clásica.
La propia rivalidad entre las regiones italianas provocará una pugna por el desarrollo de proyectos urbanísticos según las nuevas corrientes del Duocento y el Trecento.
El papel de las nuevas órdenes mendicantes, franciscanos especialmente, será también relevante.
Ya desde inicios del siglo XIII se produce una renovación de las formas anteriores (románico), impulsada también por la llegada de artistas bizantinos que huyen el saqueo de Constantinopla (1204).
El arte, además, se convierte en un objeto de comercio y lujo,impulsado por la acuñación del florín de oro de Florencia (1252) que fomenta la creación de talleres en diferentes centros.
Desde inicio del siglo XIII, la arquitectura italiana va adaptando novedades ligadas al estilo cisterciense como el arco apuntado o la bóveda nervada. Sin embargo, se mantiene la ligadura a estructuras horizontales, con grandes superficies murales y sin el afán de elevación y de luz del Gótico. Algunos ejemplos son la Abadía de Fossanova,Casamari o Chiaravalle en Milán.
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| Abadía de Chiaravalle en Milán. |
Las órdenes mendicantes protagonizan el nuevo impulso, como se refleja en el Monasterio de San Francisco de Asís en Asís., consagrado en 1253, pocos años después de la muerte del santo. Ideado por el hermano Elías, inspirado en las capillas palatinas de dos plantas, con una planta inferior de nave única y bóveda de arcos de medio punto y grandes muros donde se pinta la vida del Santo.
La parte superior sigue el mismo esquema, con el ábside como punto de luz a través de los vanos.
Las cubiertas serán de madera influidos por el ideal de pobreza, y las estructuras y decoraciones tienden a la horizontalidad.
En Florencia, epicentro del nuevo estilo, se construye Santa María Novella en 1278, de la orden dominica, con planta basilical de tres naves y cabecera de capillas rectas, siguiendo la tradición del Císter.
En el interior se busca la unidad espacial, con naves casi a la misma altura, y una articulación mural de la nave central mediante arquería de medio punto y ventanales.
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| Santa María Novella |
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| Santa María del Fiore |
La influencia de Arnolfo di Cambio también se observa en Santa Croce (1295), ejemplo del estilo cistercense, con planta basilical, cubierta con estructura de madera, muros más delgado y arquería apuntada sobre pilares octogonales
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| Santa Croce |
La Catedral de Orvieto, la capilla de Santa María de la Espina de Pisa o el propio Campanille de Florencia representan la adaptación del Gótico Radiante en Italia, a través de los coloridos mármoles exteriores y la pintura interior, y no a través de los juegos de luz de las vidrieras.
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| Santa María de la espina |
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| Palacio de los Dux Venecia |
La escultura gótica en Italia
Los púlpitos esculpidos del siglo XIII: Nicola Pisano y Giovanni Pisano
Nicola Pisano (1220-1286), formado en parte en Francia se convertirá en referencia de la escultura gótica italiana. Entre sus obras destaca el Púlpito del Baptisterio de Pisa, que termina en 1260 con ayuda de sus discípulos (uno de los más destacados será Arnolfo di Cambio), presenta forma hexagonal con 6 placas que muestran escenas variadas de la vida de Cristo y separados por columnas rojas.
Un águila corona el púlpito y sirve de atril. Un conjunto de columnas corintias,algunas con basa animales, soporta la estructura con apoyo de una central de mayor tamaño sobre un pedestal de atlantes y animales que simbolizan la herejía. Los arcos de medio punto con trilobulados presentan también figuras de profetas y evangelistas.
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| Púlpito del Baptisterio de Pisa |
Todo el conjunto es una mezcla de influencias y estilos, con aires clásicos de modelo romano, figuras de estilo del gótico francés o incluso bizantinos.
En el mismo estilo Nicola Pisano esculpe el Púlpito de la Catedral de Siena en 1268. En este caso presenta una estructura octogonal y sin alternancia de colores, a que está hecho todo en mármol blanco Los relieves forman un narración continua y se encuentran sin marco y con figuras más expresivas y juegos de claroscuros. Este cambio es producto del trabajo de Giovanni Pisano y Arnolfo di Cambio, más influidos por el estilo francés y que dotan a las figuras de mayor expresividad y sentimentalismo.
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| Púlpito catedral de Siena |
Giovanni Pisano alcanza su mejor estilo en el Púlpito de la Iglesia de San Andrés de Pistoia, de 1301. Aunque el esquema es similar a los de su padre, este en de menor tamaño para colocarse en el interior de un pequeña iglesia románica.
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| Púlpito de la Iglesia de San Andrés de Pistoia |
Las figuras parecen sobresalir del conjunto, lo que facilita su observación desde abajo, aumentado por el juego de luces y sombras y el gran dramatismo de la figuras, que muestran una gran variedad de sentimientos y pasiones
La escultura italiana del siglo XIV
Como en el resto de Europa la decoración funeraria va a vivir un enorme auge en Italia. En este aspecto destaca a finales del siglo XIII Arnolfo di Cambio,colaborador de los Pisano y que esculpe la Tumba del Cardenal de Brayo en 1282. Es un conjunto de gran tamaño, con el difunto en la parte media condos cortinajes a ambos lados y la Virgen coronando la escena, a ambos lados un santo junto al difunto arrodillado y en el otro Santo Domingo.
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| Tumba del Cardenal de Brayo en 1282. |
La Tumba del Cardenal Riccardo Petroni de 1318 de la Catedral de Siena es obra de Tino di Camaino y repite el uso de cortinajes en el sacrófago y lossantos a los lados, aunque en esta ocasión bajo dosel. Todo e conjunto se apoya sobre cariátides.
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| Tumba del Cardenal Riccardo Petroni de 1318 |
Lorenzo Maitani, discípulo de Pisano, fue director de obra de la Catedral de Orvieto y participó en su programa escultórico, destacando los relieves dela jamás de la portada, que reutilizan relieves romanos antiguos, para representar La Creación, el Pecado original, la Vida de Cristo y el Juicio Final.
Las figuras muestran gran expresividad, incluso excesiva, similar a la escuela de Bamberg, mientras otros personajes transmiten serenidad y calma.
La escultura italiana del siglo XV: las obras “góticas” del Quattrocento
En el siglo XV la escultura italiana se separa totalmente de la arquitectura y se inicia un nuevo periodo fuera ya de los modelos góticos, y plenamente renacentistas. Se busca el naturalismo y la idealización de la belleza según los gustos clásicos.
Al uso del mármol se añade un fuerte impulso del broce y de la terracota vidriada, así como del. relieve pictórico.
Sin embargo, algunas obras aún siguen los modelos más propios del Gótico, como la Tumba de santo Domingo de Guzmán de Bolonia. Era un lugar de peregrinación (fundados de los dominicos) y por lo tanto la tumba de proyectó exenta, par que los peregrinos pudieran rodearlo y se encargó al taller de N. Pisano en 1267. Los relieves representan fragmentos de la vida del Santo y fueron completados en el siglo siguiente.
Niccolo da Bari continúa la decoración y lo integra dentro de un gran monumento coronado por diversas figuras y eliminado las cariátides anteriores, añadiendo además un ángel-candelabro en un lado, que será completado con oro obra de Miguel Ángel.
Niccolo da Bari o Niccolo dell´Arca, estableció en Bolonia un taller de terracota y pudo haber conocido la obra de Sluter,dado el dramatismo de algunas de sus obras como Llanto sobre el Cristo Muerto, obra de terracota policromada esculpida entre 1463 y 1490.
La escena muestra un gran realismo, “fotografiando” un momento de dolor intenso y emociones profundas (desolación,incredulidad, ira, etc.). Sin embargo, esta obra es casi un unicum, más ligada al estilo centroeuropeo que a los modelos italianos.
El Duecento y el Trecento. Dos siglos peculiares en la pintura italiana.
Duecento. La configuración de un lenguaje pictórico
La pintura italiana se desarrolla fundamentalmente en tres grandes focos,Roma, Florencia y Siena, rivales a lo largo de todo el periodo, aunque otras entidades pujarán también dentro de este mosaico político.
La influencia bizantina y la búsqueda de la belleza de Dios(neoplatonismo) se plasma en el nuevo estilo, que mantiene el uso de lo dorados como símbolo de luz y pureza, pero añadiendo movimiento.
En Lucca destaca la figura de Bonaventura Berlinghieri o Berlingiero, nacido en 1215, que firma la autoría de la Tabla del altar de San Francisco de Pescia, que muestra al santo en el centro flanqueado por seis escenas de su vida, y que sirven para dar conocer la obra de un personaje recién fallecido y canonizado. El modelo será utilizado también por Margarito de Arezzo o Margaritone en la Madonna con el niño de la National Gallery y que mezcla formas románicas y bizantinas.
En Siena la influencia bizantina es especialmente destacable en la obra de Duccio, un autor a caballo entre el siglo XIII y XIV, y cuya obra más significativa es la Maestá de la Catedral de Siena, que estaba formada por un gran número de tablas pintadas a temple y doradas y que, actualmente, están divididas en varias colecciones. La tradición bizantina se observa en el uso del dorado, pero y se observan elementos como los elementos arquitectónicos que dotan a las escenas de una singularidad efectiva.
Las figuras a veces se alargan y tras juegan con los contrastes de luces y sombras de los pliegues para dar profundidad.
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| Maestá de la Catedral de Siena |
Pietro Cavallini será el autor de referencia en Roma y también trabaja entre los dos siglos. En su obra se observa la unión de elementos bizantinos con las formas del Mundo Clásico. Destaca su labor como autor de mosaicos y en los frescos de la Capilla Brancaccio de Sant Domingo el mayor en Nápoles, donde abandona el fondo dorado y utiliza la arquitectura para ubicar la escena, aunque sus figuras aún se presentan idealizadas y estilizadas.
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| Pietro Cavallini |
Trecento. Un lenguaje propio se hace hueco
Cenni di Pepo, “Cimabue”
Fue un autor capaz de trabajar en varios del centros más relevantes, como Roma, Florencia o Pisa.
Destacan las pinturas de la Basílica de San Francisco de Asís, con la escenas de la Crucifixión, el Descendimiento y el encuentro entre la Virgen y San Francisco, que a pesar de haber sufrido diversos percances se encuentra en buen estado.
Esta pintura formaba parte del nuevo programa iconográfico dedicado al nuevo Santo e iniciado por Cimabue, donde el santo aparece a un lado de la escena, que protagoniza una Virgen con el niño rodeada de ángeles. La escena renuncia a los fondos dorados y trata de separar cielo y tierra por una línea de horizonte, a la vez que trata de dotar al trono de una cierta volumetría espacial.
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| Virgen y san Francisco. Cenni de Pepo, Cimabue |
En la Virgen de la Santa Trinidad (Maestá) de Florencia se observa este cambio entre la influencia bizantina, aún clara en los dorados del fondo, y las nuevas formas del Trecento. Se observa un escena similar a la anterior, con la Virgen con el niño en un trono rodeada de ángeles. La escena busca dar sensación de profundidad, pero sin llegar a cambiar el modo de presentación idealizada y poco humanizado de la Virgen que se observaba en otros modelos góticos europeos.
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| Virgen de la Santa Trinidad (Maestá) de Florencia |
Giotto
Aunque tradicionalmente se consideró discípulo de Cimabue,parece que no debió ser así. Nacido en 1267 se convertirá en elmáximo exponente de la pintura italiana, reconocido incluso porlos autores de su época como Villani o Cenini.
Su gran aportación fue tratar de recuperar para la pintura lastécnicas del Mundo Antiguo. Sus obras se caracteriza por el uso dela técnica del morleone (mezcla de grafiti con blanco) para lograr elazul ultramar que compone el fondo.
En la Basílica de San Francisco de Asís, Giotto utiliza la arquitectura para contextualizar las escenas creando un artificio perspectivo, aún primerizo, pero que se convertirá en una de las claves de la pintura renacentista. Por otro lado, el uso de la luz permite conseguir una volumetría a través de la ropa de los personajes, que además muestran una gran expresividad dramática.
Un ejemplo es la escena de la Expulsión de los demonios de Arezzo o la Estigmatización de San Francisco.
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| Giotto |
Los tono azules del morelone impregnan toda la estancia y destaca la escena de la Lamentación por la muerte de Cristo, donde la parte izquierda acumula la tensión dramática, mientras a los pies se refleja la resignación.
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| Capilla Scrovegni de Padua (1305-1306) |
En la Virgen de la Maestá de Ognisante, de 1310 y por lo tanto posterior a los frescos, vuelve a las formas de Cimabue, con reflejos de la tradición bizantina que muestran como el autor podía adaptarse a las necesidades de cada una de sus obras.
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| Virgen de la Maestá de Ognisante |
Siena. Simone Martini y los hermanos Lorenzetti
Simone Martini nace en 1284 en Siena y morirá en 1344 en Aviñón, habiendo trabajado para la corte papal y, por tanto,logrando una notable influencia sobre el gótico europeo. Formado como miniaturista, su primera gran obra será la Maestá del Palacio Público de Siena (1315), que sigue las líneas de la Maestá de la catedral, obra de Duccio, pero que renuncia a los dorados del fondo para situar el azul propio del gótico y refleja figuras más elegantes, además de hecho de que se trata de un fresco y el de la catedral una pintura al temple sobre tabla.
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| Maestá del Palacio Público de Siena (1315) |
Esta última técnica la ejecuta en la Anunciación de la Galería de los Ufizzi de Florencia, donde regresa a los modelos anteriores y a los dorados de fondo. Sin embargo, vuelve a recuperar los modelos anteriores en el fresco del Condotiero Guidoriccio da Fogliano en el Palacio Público de Siena en 1328, con fondos azules y la arquitectura (los castillos) enmarcando la escena.
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| Anunciación de la Galería de los Ufizzi de Florencia, |
Pietro y Ambrogio Lorenzetti se forman en el taller de Duccio, lo que se refleja en las formas y estilos de la representación del fresco de la Entrada de Cristo en Jerusalén en la Basílica de San Francisco de Asís, obra del primero o las Alegorías del Buen y Mal Gobierno del Palacio Comunal de Siena, donde la escena arquitectónica encuentra su máximo esplendor
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| Alegorías del Buen y Mal Gobierno del Palacio Comunal de Siena |
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